Schritt-für-Schritt-Anleitung zur Modernisierung Ihres Theatermarketings

Ein volles Haus für die Eröffnungsnacht Ihrer neuesten Produktion ist nicht nur eine gute Nachricht für die Theatereinnahmen, sondern wird Ihre Darsteller, Kreativen und Ihr Produktionsteam inspirieren, ihre bestmögliche Show zu präsentieren und gleichzeitig eine aufregende Atmosphäre für das Publikum zu schaffen. In dicht besiedelten Wettbewerbsgebieten wie der Gran Via in Madrid, dem West End in London oder dem Broadway, wo das Publikum Hunderte von Theater- und Musikoptionen zur Verfügung hat, kann es schwierig sein, sicherzustellen, dass es sich für Ihr Theater entscheidet. Das Geheimnis eines vollen Hauses am Eröffnungsabend und jede Nacht danach ist eine sorgfältig geplante und datengesteuerte Marketingstrategie.

Um dies zu erreichen, müssen die Theater das Beste aus den digitalen Ressourcen in ihrer Marketingstrategie machen: Einige nutzen immer noch nicht die volle Macht der Social Media, nutzen Ticketinglösungen oder entwickeln wirklich innovative Arten von Inhalten. Es ist an der Zeit, Ihr Theater-Marketing mit diesem umfangreichen Leitfaden zur Aktualisierung Ihres Theater-Marketings für 2018 zu überarbeiten.

Schlüsselelemente des Theater-Marketings:

1. Klare Ziele setzen

Bevor Sie mit Ihrer neuen Theater-Marketingstrategie beginnen, sollten Sie sich darüber im Klaren sein, was Sie damit erreichen wollen. Es nützt nichts, Ihrem Marketing Zeit und Ressourcen zuzuweisen, wenn diese nicht effektiv zur Erreichung eines bestimmten Ziels eingesetzt werden. Dies könnte sein, mehr Tickets zu verkaufen, es könnte sein, um den Traffic auf Ihrer Website zu erhöhen, es könnte sein, um mehr von einer Anhängerschaft auf Social Media zu gewinnen. Machen Sie Ihre Ziele messbar und realistisch und verfolgen Sie Ihren Fortschritt, während Ihre Show zu Ruhm wird, damit Sie Ihre Strategie bewerten und anpassen können, um ihre Leistung zu verbessern.

2. Keine pauschale Werbung machen

Jede Produktion wird einen anderen Zielmarkt und eine andere einzigartige Anziehungskraft haben und daher erfordert jede Produktion ihren eigenen maßgeschneiderten Ansatz. Die Zeiten des flächendeckenden, nicht zielgerichteten Marketings sind längst vorbei. Wenn Sie eine Produktion oder ein Event in Ihrem Theater bewerben, müssen Sie für jede Show eine individuelle Strategie entwerfen, die darauf basiert, wer sich dafür interessiert und welche Art von Arbeit es ist. So benötigt beispielsweise ein großformatiges, familiäres Broadway-Musical eine ganz andere Präsentation als eine intime Anpassung an eine Shakespeare-Tragödie. Um eine bessere Vorstellung von der Produktion selbst zu bekommen, bevor Sie mit Ihrer Marketingstrategie beginnen, setzen Sie sich nach Möglichkeit mit dem Regisseur, Produzenten, Schauspielern oder Autor zusammen, um einen tieferen Einblick in das Produkt zu erhalten, das Sie bewerben. Sie kennen die Produktion am besten: Was ist neu an ihr, was bietet sie dem Publikum, was gefällt an ihr und an wen sie gerichtet ist. Sie können diese Informationen verwenden, um eine sorgfältig abgestimmte Marketingstrategie rund um die Show selbst und ihre jeweilige Zielgruppe zu strukturieren.

3. Durchführung von Wettbewerberrecherchen

Theater-Marketing kann ein hartes Spiel sein. Zuschauer, die eine Nacht im Theater in einer Großstadt wie Madrid verbringen möchten, haben eine Reihe von Möglichkeiten, und es kann eine Herausforderung sein, Ihre Produktion aus dem Lärm herauszuheben. Das ist der Grund, warum vor der Entwicklung Ihrer neuen Marketingstrategie, wenn Sie noch keine Wettbewerbsinformationen haben, die Konkurrenzrecherche der Schlüssel ist. Identifizieren Sie etwa 3-5 Hauptkonkurrenten und schauen Sie sich an, welche Kanäle sie nutzen, welche Art von Inhalten sie erstellen, wie sie mit dem Publikum auf Social Media kommunizieren und von ihnen lernen. Finde heraus, was gut funktioniert und was nicht, was deiner Meinung nach für dein Theater funktionieren könnte und was nicht zu deinen Zielen und deinem Charakter passt. Um in dieser sich ständig weiterentwickelnden Branche wettbewerbsfähig zu bleiben, ist es entscheidend, die Tools und Techniken im Auge zu behalten, die Ihre Konkurrenten in ihren Marketingaktivitäten verwenden, und diese im Laufe der Zeit zu überwachen, um über alle wichtigen Entwicklungen oder Entwicklungen informiert zu sein.

8 Tipps zur Aktualisierung Ihrer Theater-Marketingstrategie:

1. Nutzen Sie E-Mail-Marketing zu Ihrem Vorteil

Man könnte sagen, dass E-Mail-Marketing tot ist. Tatsächlich ist es eine unschätzbare Ressource, um halbwegs regelmäßige Theaterbesucher an Bord zu halten, um Ihren Kunden nützliche und interessante Inhalte zu liefern und mehr Tickets zu verkaufen. Wenn Sie dies noch nicht getan haben, richten Sie auf Ihrer Website einen Aufruf zur Newsletter-Anmeldung ein und senden Sie eine wöchentliche oder halbjährliche E-Mail an Ihre Abonnenten. Versuchen Sie, dies nicht als „Verkaufen“ Ihres Theaters zu betrachten, sondern als „Geben“ Ihres Publikums etwas Wertvolles, was bedeutet, dass es seine Beziehung zu Ihrem Theater fortsetzen möchte. Das könnte eine Sammlung interessanter Artikel über den Zustand des Theaters in Ihrer Stadt, Branchennews oder Trends oder Empfehlungen zu anderen Produktionen oder Theatern bedeuten, von denen Sie denken, dass sie Ihren Kunden gefallen könnten. Achten Sie darauf, dass Sie Ihren Text mit Bildern und Videos aufteilen. Denken Sie daran – es muss nicht immer um Ihr Theater gehen und es direkt bewerben. Liefern Sie Ihren Kunden jede Woche etwas wirklich Hilfreiches und schon bald werden Sie sehen, dass Gelegenheitskunden zu Stammkunden auf Ihren Messen werden.

2. Datengesteuert machen

Stellen Sie sicher, dass Ihre Marketingstrategie auf dem Verständnis Ihrer Kunden basiert. Es nützt nichts, im Dunkeln Schritte zu unternehmen, ohne ein detailliertes Verständnis von Kundenverhalten, Trends und Mustern. Ein Ticket-Distributionssystem, das Ihnen Echtzeit-Verkaufsergebnisse liefert, und eine CRM-Software, die Sie mit Marketingdaten versorgt, informieren Ihre Marketingstrategie, helfen Ihnen, Chancen und Risiken zu erkennen und Ihre Strategie letztlich effektiver zu gestalten. Ein zentrales Ticketmanagementsystem könnte Sie beispielsweise darauf aufmerksam machen, dass an bestimmten Tagen der Woche mehr Tickets verkauft werden. Wenn Sie einen kurzfristigen Wettbewerb, Rabatt oder ein Werbegeschenk durchführen, können Sie diese Daten nutzen, um diese Aktion zu planen, um ruhigere Verkaufstage zu fördern, oder um an Tagen zu landen, an denen Sie wissen, dass Kunden eher einen Kauf tätigen werden.

3. Hashtags

Wenn Ihr Theater nicht die volle Kraft des Social Media Marketings nutzt, verpassen Sie einen Trick. Tatsächlich zeigen Studien, dass Theater im Vergleich zu Kinos und Musikzentren oft hinter der Kurve zurückbleiben, wenn es darum geht, Social Media zu nutzen, um über ihre Produktionen und ihr einzigartiges Angebot zu informieren. Ein guter Ausgangspunkt ist die Identifizierung eines unvergesslichen Hashtags für Ihr Theater und für jede Produktion, die Sie durchführen. Verwenden Sie es beim Twittern oder Installieren über Ihre neueste Produktion und ermutigen Sie Ihr Publikum, es zu verwenden, wenn es nach der Show in Social Media geht, um davon zu schwärmen, indem Sie Karten mit dem Hashtag darauf verteilen, wenn es das Theater verlässt. Dieser einfache Ansatz wird dazu beitragen, ein großes Interesse an Ihrem Theater zu wecken, die Interaktion zwischen Ihrem Theater und Ihrem Publikum zu erhöhen und auch Ihre Online-Präsenz zu verbessern.

4. Es dreht sich alles um Video

In den letzten Jahren hat es eine Explosion im Videomarketing gegeben. Bei all den visuellen Spektakeln, die täglich in Ihrem Theater entstehen, wären Sie dumm, die Gelegenheit zu verpassen, einige dynamische Videos zu erstellen, um Ihr Theater zu promoten. In einer aktuellen Umfrage unter Unternehmen, die Videomarketing einsetzen, gaben 76% der Befragten an, dass es ihnen geholfen hat, den Umsatz zu steigern. Denken Sie an Teaser-Videos von bevorstehenden Produktionen, Interviews mit Zuschauern, die das Theater verlassen, Probenvideos oder eine Tour hinter den Kulissen durch den Backstage-Bereich und die Teams Ihres Theaters. Diese können dann in Ihrem Blog, Social Media und Newsletter beworben werden. Studien zeigen, dass 85 % der Menschen sagen, dass sie 2018 mehr Videos sehen möchten, also geben Sie den Menschen, was sie wollen! Hochwertige Videos können ein großer Gewinn für Ihr Theater-Marketing sein.

5. Vergessen Sie nicht den Druck.

In diesem digitalen Zeitalter ist es leicht, die einfache, aber effektive Kraft des Print-Marketings zu vergessen. Wer kann die legendäre Kampagne des Buches Mormon vergessen, bei der „The Mormons Are Coming“ in Londoner Zeitungen und Bahnhofsplakate zur Hauptverkehrszeit gespritzt wurde, als „Mormonische Manie“ die Hauptstadt übernahm? Wir haben aus dieser berühmten Kampagne gelernt, dass ein mutiges Design, ein emotionaler Slogan wie „The Mormons Are Coming“ und sorgfältig positionierte Printmedien wie Poster, Anzeigen in Magazinen und Zeitungen, Flyer und Karten einen großen Einfluss haben können, insbesondere wenn Sie eine bestimmte Region ansprechen. Durch die Kombination von Print- und digitalen Marketingansätzen, z.B. durch das Hinzufügen von QR-Codes zu Ihrem Print-Marketing, die beim Scannen eine Verknüpfung auf einem Smartphone auslösen, können Sie Ihr Publikum maximieren und mit Ihrem Theater-Marketingansatz mehr Menschen erreichen.

6. Verwenden Sie eine Vielzahl von Ticketing-Kanälen.

Die Bekanntheit Ihres Theaters zu erhöhen bedeutet, sicherzustellen, dass Kunden mit wenigen Klicks Tickets kaufen und Informationen über Ihre Shows erhalten können. Wenn Informationen und Tickets zu Ihrem Theater nur auf Ihrer Website allein verfügbar sind, können Kunden einfach eine andere Produktion oder Veranstaltung auswählen, die sie für die Nutzung ihres bevorzugten vertrauenswürdigen Ticketing-Kanals buchen können. Externe Ticketing-Kanäle können den Kunden auch Pakete anbieten, die ihr Theatererlebnis mit einem Hotelaufenthalt oder einem Pre-Theater-Dinner verbinden. Nutzen Sie daher die Möglichkeiten von Ticketing-Kanälen wie Atrapalo, Ticketmaster, Ticketea, Lastminute.com oder Londontheater.co.uk, um sicherzustellen, dass Ihr Theater-Marketing mit einem möglichst breiten Publikum in Kontakt kommt. Dies mag viel zu verwalten scheinen, aber der Einsatz eines Ticketverteilungssystems (TDS) kann Ihnen helfen, mehrere Ticketkanäle gleichzeitig über eine zentrale Plattform zu überwachen, um die Wirkung zu maximieren.

7. Podcasting erhalten

Im Durchschnitt hören die Zuschauer in Großbritannien 6 Stunden Podcasts pro Woche. Als eine aufstrebende Form von Content, die von Jahr zu Jahr an Popularität gewinnt, ist dies eine großartige Gelegenheit, sich in einem aufstrebenden Umfeld einen Namen zu machen. Der Podcast Ihres Theaters könnte Interviews mit Regisseuren, Schauspielern, Produzenten und Designern, Diskussionen über Trends in der Theaterszene und Rezensionen über andere Produktionen beinhalten, die Ihr Team gesehen und genossen hat. Podcasting ist relativ kostengünstig und durch die Bereitstellung interessanter wöchentlicher Audioinhalte können Sie dauerhafte Beziehungen zu potenziellen Zielgruppen aufbauen, die sich inspirieren lassen, Ihre neueste Produktion anzuschauen, nachdem sie die Perspektive eines Schauspielers oder die Vision eines Regisseurs für sie gehört haben.

8. Influencer

Zunehmend, insbesondere wenn Sie eine jüngere Zielgruppe ansprechen wollen, werden die Buchungsmuster und -verhaltensweisen der Kunden durch Social Media und insbesondere durch Influencer beeinflusst. Wenn Sie sorgfältig ausgewählte Influencer in Ihr Theater einladen, um eine Produktion zu sehen, können Sie ein neues Publikum erreichen und das Bewusstsein für Ihr Theater stärken. Wählen Sie mit Vorsicht: Laden Sie diejenigen ein, die über Theater oder kulturelle Veranstaltungen berichten, da ihre Anhänger eher daran interessiert sind, was Ihr Theater zu bieten hat. Achten Sie darauf, Influencer auszuwählen, deren Anhänger in Ihrer Nähe ansässig sind, und wählen Sie immer jemanden mit einer kleinen Nische von engagierten Anhängern über eine Figur mit einer großen Anzahl von Anhängern, die möglicherweise nicht daran interessiert sind, von Ihrem Theater zu hören. Als Gegenleistung für ein kostenloses Ticket bloggen, posten oder schreiben sie über ihre erstaunliche Erfahrung in Ihrem Theater, sorgen für Begeisterung und steigern das Bewusstsein. Kostenlose Werbung für Sie und kostenloses Ticket für sie: Jeder gewinnt!

In der hart umkämpften Theaterbranche muss eine unschlagbare Marketingstrategie Social Media und digitale Tools zu ihrem vollen Vorteil nutzen, um das Bewusstsein zu steigern, den Traffic zu erhöhen und Ticketverkäufe zu generieren. Diese Werkzeuge können den Unterschied zwischen dem Vorhang, der zu einem halb leeren Theater führt, und einem summenden vollen Haus Nacht für Nacht ausmachen. Diese Tipps zur Modernisierung und Optimierung Ihres Theater-Marketings helfen Ihnen, Ihr Theater-Marketing ins 21. Jahrhundert zu führen und den Umsatz zu steigern. Um den Ticketverkauf für Ihr Theater weiter zu optimieren, bietet Ihnen die B2B Werbeagentur aus Osnabrück eine umfassende Beratung an, damit Sie Ihr Theater effektiver vermarkten können.

Altgriechisches Theater

Altgriechisches Theater

 

Die griechische Theatergeschichte begann mit Festivals zu Ehren ihrer Götter. Ein Gott, Dionysos, wurde mit einem Festival geehrt, das von „City Dionysia“ genannt wird. In Athen, während dieses Festivals, sangen Männer Lieder, um Dionysos zu begrüßen. Die Stücke wurden nur beim City Dionysia Festival aufgeführt.

Athen war das Hauptzentrum für diese theatralischen Traditionen. Die Athener verbreiteten diese Feste an ihre zahlreichen Verbündeten, um eine gemeinsame Identität zu fördern.

Bei den frühen griechischen Festivals waren die Schauspieler, Regisseure und Dramatiker alle ein und dieselbe Person. Nach einiger Zeit durften nur noch drei Schauspieler in jedem Stück auftreten. Später durften nur noch wenige nicht-sprachliche Rollen auf der Bühne auftreten. Aufgrund der begrenzten Anzahl von Schauspielern, die auf der Bühne zugelassen waren, entwickelte sich der Chor zu einem sehr aktiven Teil des griechischen Theaters. Musik wurde oft während der Übertragung der Linien des Chores gespielt.

Tragödie, Komödie und Satyrspiele waren die theatralischen Formen.

Tragödie und Komödie wurden als völlig getrennte Genres betrachtet. Satyr-Stücke beschäftigten sich in komischer Weise mit dem mythologischen Thema. Aristoteles‘ Poetik stellt eine These über die perfekte Struktur für Tragödien dar.

Tragödien

Thespis gilt als der erste griechische „Schauspieler“ und Urheber der Tragödie (was „Ziegenlied“ bedeutet, vielleicht bezieht er sich auf Ziegen, die Dionysos vor den Auftritten geopfert wurden, oder auf Ziegenhäute, die von den Darstellern getragen wurden.) Seine Bedeutung ist jedoch umstritten, und Thespis wird manchmal erst bis zum sechzehnten in der chronologischen Reihenfolge der griechischen Tragiker aufgeführt.

Aristoteles‘ Poetik enthält die früheste bekannte Theorie über die Ursprünge des griechischen Theaters. Er sagt, dass sich die Tragödie aus Dithyramiden entwickelt hat, Lieder, die jedes Jahr bei den Dionysien zum Lob von Dionysos gesungen werden. Die Dithyramme mögen als rasende Improvisationen begonnen haben, aber in den 600er Jahren v. Chr. wird dem Dichter Arion zugeschrieben, dass er das Dithyramb zu einer formalisierten Erzählung entwickelt hat, die von einem Chor gesungen wird.

Drei bekannte griechische Dramatiker des fünften Jahrhunderts sind Sophokles, Euripides und Aischylos.

Komödien

Auch im altgriechischen Theater war die Komödie ein wichtiger Bestandteil. Komödienspiele wurden aus Nachahmungen abgeleitet; es gibt keine Spuren ihrer Entstehung. Aristophanes schrieb die meisten der Komödienstücke. Von diesen 11 Stücken blieb übrig – Lysistrata, eine humorvolle Geschichte über eine starke Frau, die eine weibliche Koalition führt, um den Krieg in Griechenland zu beenden.

Griechisches Theater

Theatergebäude wurden als Theatron bezeichnet. Die Theater waren große Freiluftbauwerke, die an den Hängen von Hügeln errichtet wurden. Sie bestanden aus drei Hauptelementen: dem Orchester, der Skene und dem Publikum.

Orchester: Ein großer runder oder rechteckiger Bereich im mittleren Teil des Theaters, in dem früher das Spiel, der Tanz, die religiösen Riten und die Schauspielerei stattfanden.

Skene: Ein großes rechteckiges Gebäude hinter dem Orchester, das als Backstage genutzt wird. Schauspieler konnten ihre Kostüme und Masken wechseln. Früher war der Skene ein Zelt oder eine Hütte, später wurde er zu einer permanenten Steinstruktur. Diese Strukturen wurden manchmal als Kulissen gemalt.

Aus dem Kreis des Orchesters erhob sich das Publikum. Die Theater wurden ursprünglich in sehr großem Stil gebaut, um die große Anzahl von Menschen auf der Bühne und die große Anzahl von Menschen im Publikum, bis zu vierzehntausend, aufzunehmen.

Handeln

Die Besetzung eines griechischen Stückes in der Dionyse bestand aus Amateuren, nicht aus Profis (alle männlich).

Altgriechische Schauspieler mussten großartig gestikulieren, damit das gesamte Publikum die Geschichte sehen und hören konnte. Die meisten griechischen Theater waren jedoch geschickt konstruiert, um auch den kleinsten Ton auf jeden Sitzplatz zu übertragen.

Kostüme und Masken

Die Schauspieler waren so weit weg vom Publikum, dass sie ohne die Hilfe von übertriebenen Kostümen und Masken auskamen.

Die Masken waren aus Leinen oder Kork, so dass keine überlebt hat. Tragische Masken trugen traurige oder schmerzhafte Ausdrücke, während Comic-Masken lächelten oder lachten.

Die Form der Maske verstärkte die Stimme des Schauspielers und machte seine Worte für das Publikum leichter hörbar.

Der große Shakespeare

Das Leben von Shakespeare: 1564-1616

Der mysteriöse Tod von Marlowe, dem Cambridge-Absolventen, und die brillante Karriere von Shakespeare, dem Gymnasiasten aus Stratford, haben einige dazu veranlasst zu spekulieren, dass seine Geheimdienstaktivitäten es für Marlowe klug machen, von der Szene zu verschwinden – und dass er den Namen eines kleineren Mannes, Shakespeare, benutzt, um seine Bühnenkarriere fortzusetzen. Andere, die ähnlich zu Verschwörungstheorien neigen, haben sich davon überzeugt, dass Shakespeares Stücke das Werk des Staatsmannes und Essayisten Francis Bacon sind.

Snobismus statt Gelehrsamkeit scheint solche Argumente zu untermauern. Ihre Befürworter finden es schwer zu akzeptieren, dass der unbekannte Junge aus Stratford die Krönung der englischen Literatur hätte schaffen sollen.

Die Wahrheit ist, dass William Shakespeare keine so unbekannte Figur ist, und die Ausbildung an Englands damaligen Gymnasien gehört zu den besten, die es gibt. Shakespeares Taufe wird am 26. April 1564 in Stratford-upon-Avon festgehalten (dies ist nur drei Tage nach dem St. Georgs-Tag, was die Tradition ermöglicht, dass Englands Nationaldichter zum Glück am englischen Nationalfeiertag geboren wird).

Shakespeares Vater, John, ist ein führender Bürger der Stadt und seit einiger Zeit eine Gerechtigkeit des Friedens. Es ist eine sichere Annahme (obwohl es keine Beweise gibt), dass Shakespeare an Stratfords Gymnasium ausgebildet ist.

1582, im Alter von achtzehn Jahren, heiratet Shakespeare Anne Hathaway. Ihr erstes Kind, Susanna, wird 1583 getauft, gefolgt von Zwillingen, Hamnet und Judith, 1585.

Die Pest stoppt Theaterauftritte

Dann gibt es eine mehrjährige Lücke in der dokumentarischen Aufzeichnung von Shakespeares Leben, aber er ist mindestens 1592 am Londoner Theater beteiligt – als Schauspieler, der sich auch als Dramatiker versucht -, als er in einer polemischen Broschüre von Robert Greeene als „upstart crow“ angegriffen wird. Im Jahr 1593 veröffentlicht er ein Gedicht, Venus und Adonis, gefolgt von 1594 mit Der Vergewaltigung von Lucrece. Inzwischen hat er die drei Teile von Heinrich VI. und, wahrscheinlich im Winter 1592, von Richard III. aufgeführt.

Die Londoner Theater sind 1592 und 1593 außer in der kurzen Mittwinterzeit aus Angst vor der Pest geschlossen, aber 1594 normalisiert sich die Situation wieder und Shakespeares Karriere beschleunigt sich. Heute ist er ein führendes Mitglied von Londons erfolgreichstem Unternehmen, das von der Familie Burbage am Theater geführt wird. Die Schirmherrschaft am Hof verleiht ihnen zunächst den Titel der Männer des Lord Chamberlain’s Men. Mit dem Beitritt von Jakobus I. im Jahr 1603 erhalten sie eine direkte königliche Gunst, danach werden sie als die Männer des Königs bezeichnet.

Shakespeares Anteil am Gewinn dieser Firma, die ab 1599 vom Globe am Bankside aus operiert, macht ihn zu einem wohlhabenden Mann. Die meisten der nachfolgenden dokumentarischen Referenzen beziehen sich auf Einkäufe in seiner Heimatstadt Stratford.

1597 bezahlt Shakespeare 60 Pfund für ein großes Haus und einen großen Garten, New Place in der Chapel Street. Bis 1602 hat er genug Geld, um ein Anwesen von 107 Hektar etwas außerhalb von Stratford zu kaufen, und er fährt in den nächsten Jahren fort, Investitionen in und um die Stadt zu tätigen. Um 1610 beginnt er, weniger Zeit in London und mehr in New Place zu verbringen, wo er 1616 stirbt. Er ist im Chor der Stratford Pfarrkirche begraben.

Shakespeare hat wenig Interesse an der Veröffentlichung seiner Stücke gezeigt, denn wie andere seiner Zeit betrachtet er sie wahrscheinlich eher als Aufführungsschriften als als Literatur. Nach seinem Tod sammeln zwei seiner Kollegen, John Heminge und Henry Condell, die Texte von sechsunddreißig Stücken, die sie 1623 in der heute als erstes Folio bekannten Ausgabe veröffentlichen.

 

Die Spiele vor 1601

Um 1600 hat Shakespeare sein Genie in jeder Art von Stück, außer in der Tragödie, endgültig unter Beweis gestellt. In der dramatisierenden englischen Geschichte hat er sich von den fummelnden Anfängen der drei Teile Heinrichs VI. (1590-92) über das prächtige Melodram von Richard III. (1592), die subtile Charakterstudie von Richard II. (1595), die jugendliche Pracht von Henry V. (1600) und, am erfolgreichsten, das großartige Paar von Stücken über Heinrich IV. und seinen eigenwilligen Sohn Prince Hal entwickelt.

Henry IV, Teil 1 und 2 (1597-8) präsentieren ein reichhaltiges Panorama des englischen Lebens, vom Hof und Schlachtfeld über die Taverne bis hin zum rustikalen Rückzugsort. Sie stellen in Falstaff auch die abgerundeteste und unvergesslichste Comicfigur der englischen Literatur vor.

Inzwischen hat Shakespeare eine süße und zarte Sorte romantischer Poesie entwickelt, die zuerst in der tragischen Romanze von Romeo und Julia (1595) und dann in den komischen Romanzen A Midsummer Night’s Dream (1596) und As You Like It (1599) zu sehen ist. Und er hat sein Können in einer mehr umwerfenden Art von Komödie bewiesen, mit The Taming of the Shrew (1593) und The Merry Wives of Windsor (1600).

Nach 1600 gibt es noch ein weiteres Stück, das breite Komödie (in den Possen von Toby Belch und Andrew Aguecheek) und bezaubernd romantische Poesie (wie in der allerersten Zeile: „Wenn Musik die Speise der Liebe ist, dann spiel weiter“) kombiniert. Dies ist die Zwölfte Nacht, und ihre erste Produktion findet möglicherweise weniger als eine Woche nach 1601 statt. Es gibt Hinweise darauf, dass Shakespeare es wahrscheinlich im Rahmen der Feierlichkeiten zur Zwölften Nacht (oder zum 6. Januar) am Hof Elisabeths in diesem Jahr schreibt.

Im Allgemeinen wird Shakespeares Palette jedoch mit dem neuen Jahrhundert dunkler. In den nächsten Jahren gibt es einige viel weniger sonnige Komödien und seine vier großen Tragödien.

Tragödien und dunkle Komödien: 1601-1608

Shakespeares erster Versuch einer groß angelegten Tragödie im Jahr 1601 bringt eine Figur auf die Bühne, Hamlet, deren Wesen und Schwächen mehr Diskussionen ausgelöst haben als jede andere Shakespeare-Schöpfung. Seine vorherrschenden Eigenschaften von Selbstzweifeln und Selbstdramatisierung scheinen für einen tragischen Helden kaum vielversprechendes Material zu sein, aber Shakespeare nutzt sie, um ein intensiv persönliches Drama zu schaffen. Jede Gelegenheit zum Handeln veranlasst den jungen Prinzen, sich einem anderen selbstsuchenden Selbstgespräch hinzugeben, jede verpasste Gelegenheit macht die Katastrophe unvermeidlicher.

Othello ist die nächste der großen Tragödien, um 1603, mit der Eifersucht des grünäugigen Monsters, das heute die treibende Kraft auf dem Weg zur Zerstörung ist.

König Lear, etwa 1605, ist die elementarste der Tragödien, wobei der Verstand des alten Königs durch Stürme auf einer offenen Heide ebenso wie durch seine Behandlung durch die Hände seiner gefühllosen Töchter geschwängert wird. Macbeth, ein Jahr oder so später, macht die Schuld selbst zum Stoff der Tragödie, nachdem der rücksichtslose Ehrgeiz die Ereignisse auf den Weg gebracht hat.

Diese Stücke sind insofern tragisch, als jedes einen zentralen Charakter hat, dessen Handlungen die Ereignisse antreiben und dessen Fehler den Schluss unvermeidlich machen. Andere, die in diesen Jahren geschrieben wurden, sind vielleicht keine Tragödien im eigentlichen Sinne, aber sie haben einen bitteren Geschmack, der weit weg von der Komödie ist. Ein Beispiel dafür sind Troilus und Cressida (1602) mit ihrem ätzenden Blick auf die Welt, der von den Thersiten ausgedrückt wird.

Selbst die Stücke dieser Zeit, die buchstäblich Komödien sind, im einfachen Sinne, dass sie glücklich enden, sind in einer Stimmung, die der Tragödie näherkommt.

In den Jahren danach beschäftigt sich Macbeth Shakespeare mit zwei römischen Themen. In Antony and Cleopatra (1607) tragen die Fakten der Geschichte seine beiden berühmten Liebhaber zu ihrem tragischen Schicksal. In Coriolanus (1608) ist es die Arroganz der Hauptfigur, die das Drama schafft – gelöst nur, wenn seine Pflicht als Sohn als Antwort auf das Flehen seiner alten Mutter zu seinem eigenen Tod führt.

Das letzte Spiel: 1608-1611

Shakespeares letzte vier Stücke, beginnend mit Pericles, Prince of Tyre, etwa 1608, teilen ein Muster aus Bruch, Ruhestand, Erneuerung und Versöhnung. Ähnlich wie der natürliche Rhythmus des Winters, gefolgt von Winterschlaf und dem Auftauchen in den Frühling, beginnen die Parzellen mit gewalttätigen bösen Taten. Die guten Charaktere entkommen irgendwie der Sicherheit und einem neuen Leben, oft mit einer neuen Identität. Jahre vergehen und Kinder werden erwachsen, bis schließlich alles geklärt ist.

In Perikles treten die Ereignisse angeblich im alten Tyre auf. In Cymbeline (1609) ist die gequälte Familie die der historischen Cunobelin, König eines keltischen britischen Stammes. Die Wintererzählung (1611), die in undefinierten klassischen Zeiten spielt, findet in den Königreichen Sizilien und Böhmen statt.

Der Sturm (auch 1611) steht in einem viel geeigneteren Kontext für jede Geschichte dieser Art, halb real und halb magisch: „Die Szene, eine unbewohnte Insel“. Seit zwölf Jahren ist die Insel die Heimat eines Opfers politischer Hinterhältigkeit – Prospero, Herzog von Mailand, begleitet von seiner kleinen Tochter Miranda. Sie teilen den Ort mit einem untermenschlichen Bewohner, Kaliban, und einem Geist, der hier gefangen ist, Ariel.

Da dies eine Insel ist und Prospero über magische Kräfte verfügt, bietet der Schiffbruch eine einfache Möglichkeit, die bösen Charaktere, die für Prosperos Exil verantwortlich waren, zu befreien.

Mit ihrer Ankunft sind die Zutaten für eine Fantasie vorhanden, die auf vielen der wichtigsten Kontraste des Lebens spielt. Die Wege der Welt, sowohl gute als auch schlechte, werden durch die unschuldigen Augen von Miranda, für die alles neu ist, in einem neuen Licht gesehen. Die wohlwollende Weisheit von Prospero überlistet die intriganten Tricks seiner Gegner. Betrunkene Besatzungsmitglieder haben eine natürliche Affinität zum unzufriedenen Kaliban. Und die Insel als magischer Ort kann ihre eigenen Überraschungen hervorrufen.

Am Ende des Stückes, als Prospero die Hauptfiguren zur Versöhnung zusammengeführt hat, verzichtet er in einem Abschiedsnachspiel auf seine magischen Kräfte.

Prosperos letzte Rede wurde oft als Shakespeares eigener Abschied von seiner Theaterkarriere angesehen und gab die Magie auf, mit der er so viele Geschichten und Charaktere auf die Bühne gebracht hat.

Es könnte so sein. Aber er ist Mitautor eines weiteren Stückes, Heinrich VIII. (1613), und ein Ereignis während einer seiner Aufführungen besiegelt sicherlich seinen Ruhestand. Ein Funke aus einer Bühnenkanone zündet das Strohdach des Globus an, das bis auf den Boden brennt. Das Theater wird wiederaufgebaut und 1614 mit einem Ziegeldach wiedereröffnet. Aber das Ereignis wird Shakespeare wahrscheinlich in seinem Vollzeitrückzug zu seinen Grundstücken in Stratford bestätigen, wo er 1616 stirbt.

Geschichte des englischen Theaters

Englisches Theater

Das Theater war schon immer ein wichtiger Teil der Kultur eines jeden Landes oder einer jeden Zivilisation. Es erlaubt dem Publikum, in die Emotionen eines anderen einzutauchen, ob Freude oder Frivolität bei einer Komödie oder tiefe Trauer und Bedauern, wie bei einer Tragödie. Dies hat eine besonders kathartische Wirkung. In den vergangenen Jahrhunderten war es nicht immer akzeptabel, Emotionen offen zu zeigen. Aus diesem Grund galt das Theater als der einzig akzeptable Ort, um in emotionalen Ausbrüchen zu lachen, zu weinen, zu lachen, zu lachen, zu lachen, zu schreien und zu keuchen.

Theaterkreationen sind seit Jahrhunderten ein fester Bestandteil der englischen Kultur. Auch heute noch ist es bekannt für renommierte Produktionen wie Cats, The Phantom of the Opera, Beauty and the Beast, Cinderella, Jack and the Beanstalk, Peter Pan, Puss in Boots, Romeo and Juliet, Swan Lake, The Nussknacker und The Comedy of Errors, unter vielen anderen.

Erfolgreiche Theaterbesitzer = erfolgreiche Schauspieler

In Alt-England genossen die Theaterbesitzer ein angesehenes Image, und viele von ihnen waren in der Branche in Form von Dramaturgie oder Selbstdarstellung tätig. Sie bestimmten, welche Akteure in den am Theater stattfindenden Produktionen agieren würden und hielten dabei eine gewaltige Menge an Macht in ihren Händen. Tatsächlich lag der Erfolg eines aufstrebenden Schauspielers in den Händen der Theaterbesitzer.

Das alte Theater war so vielfältig wie heute. Dadurch wurde es für eine Vielzahl von Zuschauern attraktiv und machte das Theater zu einer kulturellen Attraktion für die Massen. Alles, was im frühen Theater nicht erlaubt war, war ein Angriff auf den König.

Ansonsten war es ein Free-for-all. Je nach persönlichem Geschmack der Theaterbesucher würden sie dazu neigen, ein oder zwei bestimmte Theater zu unterstützen. Da die Grenze zwischen der Arbeiterklasse und der Oberschicht in Bezug auf die Unterhaltung, die sie genossen, verschwamm, nahmen Theaterproduktionen einen weniger anspruchsvollen Witz und einen mehr „slapstick. one“ an.

Das anspruchsvolle Publikum

Ein weiterer Teil der Entwicklung des Theaters war, dass das Publikum nun mehr von einem Spektakel und weniger beeindruckenden Dialogen verlangte. Sie wollten Requisiten, Kostüme und Effekte. Das sind auch heute noch entscheidende Elemente für eine beeindruckende Show.

Im Laufe des 17. und 18. Jahrhunderts begann das Publikum, Präferenzen für bestimmte Akteure zu entwickeln. Dies war der Beginn des enormen Prominentenstatus, den moderne Darsteller genießen. Die Schauspieler waren bekannt für ihre Fähigkeiten, ihren Sinn für Humor und sogar für ihre Ästhetik. Diese Akteure waren aber auch Sklaven der Industrie; sie mussten sich an strenge Regeln und Reglementierungen halten, damit ihre Karriere ernst genommen werden konnte. Zu den bekanntesten Schauspielern des Tages gehörten Nell Gwynne, Thomas Betterton, Elizabeth Barry und Charles Macklin.

Kostüme

Kostüme waren ein sehr wichtiger Teil des englischen Theaters und sind es auch heute noch. Kreative und dramatische Stücke vermitteln einen Großteil der Handlung und des Charakterprofils und erzeugen Dramatik sowie ein Gefühl von Realismus. Ein großer Teil des Budgets fließt in die Erstellung solcher Stücke. Da sich das Theater um das geschaffene Spektakel herum entwickelte, forderte das Publikum, wo es angebracht war, große Auftritte. Dies führte zu einem Trend bei den Theatergruppen, sich gegenseitig bestimmte Stücke zu leihen, um Kosten zu sparen. Andere vermieteten sie. Dies geschieht in vielen Fällen noch immer.

Heute werden die Besucher Englands aufgefordert, mindestens eine große Theaterproduktion zu sehen. Es gibt immer klassische Favoriten in der Show (vor allem in London), aber auch spannende neue Produktionen.

Barter Theater – Das Tauschhandeltheater

Die Geschichte eines einmaligen Theaters

Das Barter Theatre begann 1933 mit der Idee eines Mannes, die Gönner mit Produkten bezahlen zu lassen, und hat sich heute zu einem ganzjährigen Theater mit mehr als 160.000 Besuchern pro Jahr entwickelt.

Ein einzigartiger Anfang

Während der Weltwirtschaftskrise kehrte Robert Porterfield, ein unternehmungslustiger junger Schauspieler, mit einem außergewöhnlichen Angebot in seine Heimat Südwest Virginia zurück: Tauschhandel mit Produkten aus den Bauernhöfen und Gärten der Region, um Zugang zu einem Theaterstück zu erhalten.

Am 10. Juni 1933 öffnete das Barter Theatre seine Pforten und verkündete: „Mit Gemüse, das man nicht verkaufen kann, kann man sich ein gutes Lachen kaufen“. Der Preis für die Zulassung betrug 40 Cent oder eine entsprechende Menge an Produkten. Vier von fünf Theaterbesuchern der Depressionszeit bezahlten sich mit Gemüse, Milchprodukten und Vieh.

Zur Überraschung vieler waren alle Plätze für die erste Show besetzt. Das Konzept des Handels mit „ham for Hamlet“ setzte sich schnell durch. Am Ende der ersten Saison räumte die Barter Company 4,35 $ in bar, zwei Barrel Gelee und eine gemeinsame Gewichtszunahme von über 300 Pfund ein.

Die Schauspieler, die im Gebäude auftraten, wurden nicht nur durch das gelegentlich quietschende Schwein oder die gackernde Henne abgelenkt, sondern auch durch den Lärm des Stadtgefängnisses, das sich direkt unter der Bühne befand. Der Gefängnisraum wurde später als Aufenthaltsbereich für tollwutverdächtige Hunde genutzt. Es wurde schließlich in Garderoben für Tausch-Schauspieler umgebaut.

Heute feiert mindestens eine Aufführung pro Jahr das Erbe des Tauschhandels, indem sie Spenden für eine regionale Lebensmittelbank als Eintrittspreis akzeptiert. Um die diesjährigen „Barter Day“-Termine zu finden, klicken Sie hier.

Geschichte der Gebäude des Tausch-Theaters

Das früheste bekannte Theaterereignis war eine Produktion des Virginier am 14. Januar 1876, deren Erlös für Gebäudereparaturen verwendet wurde. Im Jahr 1890 übertrugen die Söhne der Mäßigung das Eigentum des Gebäudes auf die Stadt Abingdon, die als Rathaus zum Wohle der Bürger genutzt werden sollte.

Neben den Büros nutzte die Stadt das Gebäude als Brandhaus. Bis 1994 war auf dem Dach des Barter Theaters ein Feueralarm angebracht, der zu jeder Zeit, Tag und Nacht, nach Bedarf ertönte. Als die Feuersirene während einer Tausch-Aufführung ertönte, wurden die Schauspieler angewiesen, ihre Position auf der Bühne einzufrieren und die Aktion nach Beendigung des Alarms wieder aufzunehmen.

Viele der Inneneinrichtungen des Theaters wurden vor der Zerstörung aus dem Empire Theatre of New York City geborgen. Als Robert Porterfield erfuhr, dass das 1875 erbaute Empire zur Zerstörung bestimmt war, erhielt er ein Wochenende lang Gelegenheit, Möbel und Ausrüstung für den Einsatz in Barter zu entfernen. Porterfield und seine Crew kamen mit Sitzen im Wert von 75.000 Dollar, Beleuchtungskörpern, Teppichen, Gemälden und Wandteppichen davon. Die von Thomas Edison entworfene und installierte Beleuchtungsanlage im Empire wurde bis Mitte der 1970er Jahre im Barter Theatre eingesetzt.

Tauschhandel Stufe II

Das Tausch-Theater Stufe II wurde 1829 als methodistische Kirche erbaut. Nach einem Brand im Jahr 1914 blieb nur das Hauptgebäude der Kirche erhalten; es wurde später vom Martha Washington College als Turnhalle und Lager genutzt.

1961 wurde das Gebäude vom Barter Theatre als kleines Theater renoviert, mit großen Verbesserungen in den Jahren 1973 und 1985. Hinzu kamen eine Lobby und der Jessie Ball DuPont Memorial Theatre Garden. Der einzigartige Leistungsraum verfügt über 167 Sitzplätze um eine Schubstufe herum. Auf einigen Plätzen sind die Gäste nur wenige Meter von den Darstellern entfernt. Die Barter Stage II wird von Schauspielern und Publikum wegen ihrer intimen Umgebung geschätzt, die sie perfekt für innovative Neuproduktionen, Thriller und Komödien macht.

Menschen vom Tauschhandelstheater

1963 lobte Präsident Kennedy Robert Porterfield, den Gründer des Barter Theatre. Dies ist nur eine der vielen Anerkennungen, die das Barter Theatre als ein Theater mit Charakter und Unterscheidung definieren. Nach seinem Tod 1971 wurde Porterfield von Rex Partington abgelöst. Als Tauschschauspieler in den 1950er Jahren kehrte Partington von 1972 bis 1992 als Hauptverwalter zurück. Richard Rose wurde 1992 zum Producing Artistic Director ernannt.

Heute hat Barter den Ruf eines Launchpads, in dem viele Schauspieler auftreten, bevor sie zu Ruhm und Reichtum kamen. Zu den bekanntesten Alumni von Barter gehören: Gregory Peck, Patricia Neal, Ernest Borgnine, Hume Cronyn, Ned Beatty, Gary Collins, Wayne Knight und Larry Linville. Lesen Sie hier mehr über die berühmten Alums.