Die Rolle der Tagespflege bei der Unterstützung älterer Menschen, die unter langfristigen Bedingungen leben

Zweck der Überprüfung

Für ältere Menschen mit langfristigen Erkrankungen sollen regelmäßige strukturierte Aktivitäten innerhalb einer Gemeinschaft, in der andere Menschen zusammenkommen, das Wohlbefinden und die Lebensqualität verbessern. In der Vergangenheit gab es in den Kommunen weit verbreitete Tagesbetreuungseinrichtungen, aber Sparmaßnahmen haben dazu geführt, dass in vielen Bereichen dieses Angebot deutlich reduziert wurde und verschiedene Modelle von Tagesbetreuungsdiensten entwickelt werden. Eines der erfolgreichen Betreuungsmodelle ist der Pflegedienst aus Stuttgart von Home Instead. Generell ist aber wenig bekannt über die Ergebnisse der Tagesbetreuung älterer Menschen mit Langzeiterkrankungen.

Neueste Erkenntnisse

Diese Übersicht hat die jüngsten Erkenntnisse über die Ergebnisse der Tagesbetreuung älterer Menschen mit Langzeiterkrankungen kritisch untersucht und wird sich auf drei Bereiche konzentrieren – körperliche Funktionsfähigkeit, intergenerationelle Versorgung und Messung der Ergebnisse. Hinsichtlich der Interventionen zur Verbesserung der körperlichen Funktionsfähigkeit älterer Menschen mit Langzeiterkrankungen, die eine Tagespflege besuchen, gibt es nur wenige Studien, und es ist schwierig, sie zu verallgemeinern, aber es scheint einen Trend zu geben, der sich positiv auf die körperliche Funktionsfähigkeit auswirkt, wenn Aktivitäten in ein Tagespflegeprogramm integriert werden. Es gibt einen Mangel an Forschung zur intergenerationellen Versorgung, doch die geringe Anzahl von Studien deutet auf einen positiven Nutzen hin. Studien zur Messung der Ergebnisse für ältere Menschen mit Langzeiterkrankungen, die Tagesbetreuungsdienste in Anspruch nehmen, sind in Bezug auf die Ergebnisdaten sehr begrenzt, mit Ausnahme einer kanadischen Studie, die darauf hinweist, dass der Besuch von Tagesbetreuungsdiensten die Krankenhausbesuche und -einweisungen reduzieren könnte.

Zusammenfassung

Diese Übersicht zeigt einen Mangel an Forschung zur Tagesbetreuung älterer Menschen mit Langzeiterkrankungen. In den wenigen Artikeln, die in dieser Übersicht enthalten sind, wird die Vermutung geäußert, dass es sowohl in Bezug auf die globalen Ergebnisse der Teilnahme als auch in Bezug auf eine verbesserte körperliche Funktionsfähigkeit Vorteile geben kann; es gibt nur wenige Belege für den Wert der intergenerationellen Versorgung. Robuste Forschung mit einer Sammlung aussagekräftiger Ergebnisse ist erforderlich, um sicherzustellen, dass die wachsende Zahl älterer Menschen mit Langzeiterkrankungen Zugang zu einer qualitativ hochwertigen Tagesbetreuung erhält.

EINLEITUNG

Die Definition einer Langzeiterkrankung ist ein Zustand, der nicht geheilt werden kann, aber medikamentös behandelt werden kann. Zu den Langzeiterkrankungen gehören neurologische Erkrankungen wie Parkinson, Multiple Sklerose, chronisch obstruktive Lungenerkrankung, Herzinsuffizienz, Niereninsuffizienz, und es wird geschätzt, dass im Vereinigten Königreich 1,8 Millionen Menschen mit Krebs und mindestens einer Langzeiterkrankung leben, und es wird weiter geschätzt, dass über 700 000 Menschen zusätzlich zu drei Langzeiterkrankungen mit Krebs leben und die Mehrheit dieser Menschen ältere Menschen sein werden.

Es gibt keine belastbaren Belege dafür, ob die Tagespflege die Lebensqualität älterer Menschen, die mit Langzeiterkrankungen leben, verbessern kann. Es ist wenig bekannt über die verschiedenen Modelle der Tagespflege und ihre Auswirkungen auf die Erfahrungen derer, die Dienstleistungen in Anspruch nehmen, und darüber, ob einige Modelle der Tagespflege einen größeren Nutzen aufweisen und daher für die künftigen Bedürfnisse älterer Menschen mit Langzeitbedingungen besser geeignet sind. In einer internationalen systematischen Übersicht von Fields et al.[1] wurde festgestellt, dass die Wirksamkeit der Tagespflege aufgrund des Fehlens einer standardisierten Definition schwer zu beurteilen ist. Darüber hinaus untersucht eine Reihe von Studien die „Dienstleistung“ im Gegensatz zu den im Rahmen der Tagespflege angebotenen Interventionen. Obwohl die Entlastungsfunktion der Tagespflege anerkannt und erforscht wird, ist über andere Aktivitäten, die auftreten können, wie z.B. Bildungsprogramme oder Selbsthilfegruppen, weniger bekannt. Eine systematische Überprüfung der Wirksamkeit und Kostenwirksamkeit verschiedener Modelle der Entlastungspflege für gebrechliche ältere Menschen schloss die Tagespflege als eine Form der Atempause ein und ergab nur begrenzte Evidenz in Bezug auf Vorteile, die über die Zufriedenheit der Pflegenden hinausgehen [2]. Die Tagespflege ist ein vernachlässigter Forschungsbereich, und es gibt nur wenige Forschungsarbeiten zu Dienstleistungen und Interventionen, die die Ergebnisse der Multimorbidität in allen Gesundheits- und Sozialpflegediensten verbessern könnten [3,4].

Im Vereinigten Königreich führte Age UK [5] eine Evidenzprüfung durch, in der die Wirksamkeit der Tagespflege im Vereinigten Königreich untersucht wurde, und hob den Mangel an Forschung und die Qualität der Forschung hervor. Die Modelle für Tagesbetreuungsdienste sind gemischt [6] und können von lokalen Behörden, privaten Unternehmen, unabhängigen, freiwilligen Gruppen oder einer Mischung aus mehr als einem Modell angeboten werden. Häufig beschreibt die in Tagesbetreuungseinrichtungen durchgeführte Forschung weder die Bevölkerung noch die Organisationsstruktur, so dass die Ergebnisse schwer zu interpretieren sind [7]. Tagesbetreuungsmodelle unterscheiden sich auch international, und in vielen Ländern ist der Zugang zu einer Tagesbetreuungsleistung davon abhängig, dass der Einzelne für die Leistung bezahlt. Die Regelmässigkeit der Tagesbetreuung wurde als unschätzbar wertvoll für Familien hervorgehoben, zumal andere Formen der Atempause, z.B. der Zugang zu Übernachtungsangeboten, nur in Krisenzeiten möglich ist und die Tagesbetreuung eine regelmässige Intervention vor Ausbruch der Krise bieten kann [8]. Zarit et al.[9]

fanden in einer Studie aus den USA heraus, dass pflegende Angehörige einer Person mit Demenz, die drei Monate lang mindestens zwei Tage pro Woche eine Tagespflege besuchten, signifikant mehr als diejenigen, die keine Tagespflege in Anspruch nahmen, davon profitierten, indem sie Depressionen der Pflegepersonen und die Belastung der Pflegepersonen verringerten. Es gibt Hinweise darauf, dass die Tagespflege die Bewältigungsmechanismen der pflegenden Angehörigen aufgrund der Entlastungsfunktion verbesserte. Valadez et al.[10] fanden heraus, dass sich Pflegende weniger ängstlich und besorgt fühlten, wenn sie nicht bei ihrem Angehörigen waren, der die Tagespflege besuchte, was wiederum ihre Beziehung verbesserte, wenn sie zusammen waren.

Vor kurzem wurde eine systematische Übersicht aus Korea [11] durchgeführt, um zu ermitteln, welche Arten von Gesundheitsinterventionen für die Teilnehmer an Seniorenzentren wirksam und durchführbar sind. Die Autoren suchten nach Studien zur Gesundheitsintervention in Seniorenzentren, die zwischen 1990 und 2014 in englischer und koreanischer Sprache veröffentlicht wurden. Von den 907 gesichteten Artikeln wurden 22 Studien ausgewählt. Die Überprüfung ergab, dass 59,1% der Interventionen von Krankenschwestern und -pflegern durchgeführt wurden und dass solche Gesundheitsinterventionen positive Auswirkungen auf das Wissen, das Gesundheitsverhalten, die klinischen Indizes und die Krankenhauseinweisungsraten der Teilnehmer an Seniorenzentren hatten, aber nur wenige Studien im Rahmen der Überprüfung berichteten über Durchführbarkeitsergebnisse wie Zufriedenheit und Kostenwirksamkeit. Die Autoren kamen zu dem Schluss, dass ältere Menschen problemlos Zugang zu Seniorenzentren haben (dies hängt jedoch vom Land und vom Standort ab), dass jedoch Gesundheitsinterventionen und -dienste innerhalb der Zentren verstärkt werden sollten.

In diesem Überblick konzentrieren wir uns auf die in der internationalen Literatur veröffentlichten Artikel über Tagesbetreuungsdienste für ältere Menschen mit Langzeiterkrankungen einschließlich Demenz und konzentrieren uns auf drei Bereiche – körperliche Funktionsfähigkeit, intergenerationelle Versorgung und Messung der Ergebnisse des Besuchs von Tagesbetreuungseinrichtungen. Da die Anzahl der Artikel in diesem untersuchten Bereich begrenzt ist, haben wir in diesen Überblick eine Suche nach Artikeln von 2015 bis heute aufgenommen.

PHYSISCHE FUNKTIONSWEISE

In einem Artikel von Karania [12▪▪] wurde über eine kleine Pilotstudie berichtet, in der die Auswirkungen eines bilateral asymmetrischen, auf Gymnastik basierenden Übungsprogramms auf ältere Menschen, die in einem Pflegeheim und einer Tagesstätte im Vereinigten Königreich leben, untersucht wurden. Eine qualitative Auswertung umfasste Beobachtungssitzungen, Interviews mit teilnehmenden älteren Menschen, ihren Ehepartnern, Familienmitgliedern und Freunden, Interviews mit dem Personal und eine Überprüfung der Personen, die das Übungsprogramm durchführen. Die Pilotstudie ergab, dass ältere Menschen, die an dem Programm teilnahmen, eine nachweisbare Verbesserung bei Aspekten ihrer körperlichen, emotionalen und kognitiven Fähigkeiten zeigten, und diejenigen mit leichten bis fortgeschrittenen Formen der Demenz schienen am meisten zu profitieren. Es wurde auch berichtet, dass ältere Menschen die Sitzungen genossen und neue Freundschaften entwickelt wurden. Diese Studie hatte keine Vergleichsgruppe, lieferte aber nützliche Daten über den Nutzen eines auf asymmetrischer Gymnastik basierenden Übungsprogramms für ältere Menschen mit unterschiedlichem Demenzniveau.

Lin et al.[13] untersuchten die Auswirkungen von Tai-Chi in Verbindung mit Thera-Band-Resistenzübungen auf die funktionelle Fitness und Muskelkraft bei gemeindenahen älteren Menschen anhand einer cluster-randomisierten Studie mit 94 älteren Menschen, die sechs Seniorentagesstätten in Taiwan besuchten. Die Gruppe wurde einer Thera-Band-Resistenzübung oder einer Kontrollgruppe zugeordnet, wobei die Thera-Band-Resistenzübungsgruppe 16 Wochen lang zweimal wöchentlich eine 60-minütige Thera-Band-Resistenzübung erhielt und die Kontrollgruppe Zugang zu routinemässigen Aktivitäten in der Tagesstätte, aber keine Tai-Chi- oder Widerstandsübung erhielt. Die Ergebnisse legten nahe, dass ältere Menschen in der Interventionsgruppe eine signifikante Zunahme der Muskelkraft der oberen und unteren Extremitäten aufwiesen, und bei den meisten Messungen des Senior Fitness-Tests wurden signifikante Verbesserungen festgestellt. Die Autoren kamen zu dem Schluss, dass das Thera-Band-Resistenz-Training das Potenzial hat, die funktionelle Fitness und die Muskelkraft in gemeindenahen älteren Menschen zu verbessern und eine gut verträgliche und angemessene Form der körperlichen Aktivität bieten kann, die das Personal leicht in den Tagesablauf älterer Menschen in Tagesstätten integrieren kann.

Park et al.[14▪▪] testeten die Auswirkungen des Sit ‚N‘ Fit Chair Yoga, verglichen mit einem Gesundheitserziehungsprogramm (HEP), auf Schmerzen und körperliche Funktion bei älteren Erwachsenen mit Arthrose der unteren Extremitäten, die nicht an Stehübungen teilnehmen konnten. Eine zweiarmige, randomisierte, kontrollierte Studie, die in einer Wohn- und Tagesstätte für ältere Menschen in den USA durchgeführt wurde. Einhunderteinunddreißig ältere Menschen wurden nach dem Zufallsprinzip einem Stuhl-Yoga- oder Gesundheitserziehungsprogramm zugeteilt. Dreizehn gingen nach der Zuweisung, aber vor der Intervention verloren; sechs gingen während der Intervention zur Nachbeobachtung verloren; 106 von 112 schlossen mindestens 12 von 16 Sitzungen ab (95% Retentionsrate). Ältere Menschen in der Studie nahmen 8 Wochen lang zweimal wöchentlich an 45-minütigen Sitzungen teil, in denen sie entweder Yoga oder HEP leitete. Es wurden Messwerte bezüglich Schmerzen, Schmerzinterferenz, Gleichgewicht, Gehgeschwindigkeit, Ermüdung, funktionelle Fähigkeit erhoben und zu Studienbeginn, nach 4 Wochen Intervention, am Ende der 8-wöchigen Intervention und nach der Intervention (1 und 3 Monate) gemessen. Die Chair-Yoga-Gruppe hatte eine signifikant stärkere Reduktion der Schmerzinterferenz während der Intervention (P = 0,01), die nach 3 Monaten anhielt. Ganggeschwindigkeit und Ermüdung waren in der Yogagruppe während der Intervention verbessert, aber nicht nachhaltig nach der Intervention. Stuhl-Yoga hatte keinen Einfluss auf das Gleichgewicht. Die Autoren schlussfolgerten, dass ein 8-wöchiges Stuhl-Yoga-Programm mit einer Reduktion der Schmerzen, der Schmerzinterferenz und der Ermüdung sowie einer Verbesserung der Gehgeschwindigkeit verbunden war, aber nur die Auswirkungen auf die Schmerzinterferenz wurden 3 Monate nach der Intervention aufrechterhalten.

Zehn Gründe für einen Führungskräftetraining-Kurs

In der heutigen Geschäftswelt können jederzeit Herausforderungen auftreten, und um eine effektive Führungspersönlichkeit zu sein, müssen Sie in der Lage sein, auf diese Herausforderungen mit Intelligenz, Strategie und Fachwissen zu reagieren. Wenn Sie Schwierigkeiten haben, auf unvorhergesehene Herausforderungen zu reagieren, oder wenn Sie einfach nur Ihre Führungsqualitäten verbessern möchten, sollten Sie unbedingt in Erwägung ziehen, sich zu einem Führungskräftetraining anzumelden.

Immersionstraining für Firmenchefs gewinnt rasch an Popularität. Die Palette reicht von Outdoor-Programmen bis hin zu Unterricht in herkömmlichen Klassenzimmern. Führende Business Schools, Firmen für die Ausbildung von Führungskräften, Branchenverbände und andere Einrichtungen haben Programme mit einem gemeinsamen Ziel ins Leben gerufen: die Führungsqualitäten von Unternehmern zu verbessern.

Hier sind 10 Möglichkeiten, wie ein Führungskräftetraining Ihnen helfen kann, Ihre Führungsqualitäten zu verbessern und dadurch Ihre Organisation von gut zu großartig zu verändern:

  1. Führungsschulungskurse helfen, Selbstvertrauen und Weisheit aufzubauen
    Ausbildungsprogramme für Führungskräfte können Ihnen helfen, die wesentlichen Fähigkeiten und Techniken zu erlernen, die Sie benötigen, um Herausforderungen aus einer anderen Perspektive zu betrachten. Dies kann Klarheit in einer schwierigen Situation schaffen, fördert die Weisheit und stärkt das Selbstvertrauen.
  2. Sie befähigen Sie zum Erfolg
    Wenn Sie glauben, dass große Führer geboren und nicht gemacht werden, dann denken Sie noch einmal nach. Führungsschulungen verwenden verschiedene Techniken und Beispiele, um den Punkt zu betonen, dass wir alle mit ein wenig harter Arbeit große Führungspersönlichkeiten sein können.
  3. Sie vermitteln wertvolle Fähigkeiten
    Führungskräftetrainingskurse können Ihnen die Fähigkeiten vermitteln, die Sie benötigen, um effektiv zu führen, einschließlich der oft heiklen Fähigkeiten, die erforderlich sind, um Menschen zu überzeugen und zu beeinflussen – auch solche, über die Sie nur wenig direkte Autorität haben.
  4. Sie fördern die Selbstreflexion
    Bevor Sie anfangen, werden Sie in der Regel in Schulungskursen getestet, um herauszufinden, wo Sie sich weiterentwickeln müssen. Erst nachdem Sie diese Bereiche erkannt haben, können Sie beginnen, Ihre Fähigkeiten zu verbessern. Sie werden die Gelegenheit haben, sich selbst etwas besser kennen zu lernen, indem Sie Ihre Motivation zum Führen erforschen und Ihr Selbstvertrauen, Ihre emotionale Intelligenz und andere Qualitäten, die man braucht, um eine gute Führungskraft zu werden, auf die Probe stellen.
  5. Sie umgeben Sie mit anderen Führungspersönlichkeiten
    Ausbildungsprogramme für Führungskräfte ermöglichen es Ihnen, zu untersuchen, wie sich Führungsideen im Laufe der Zeit herausgebildet und verändert haben, und helfen Ihnen, den oft widersprüchlichen Vorstellungen von Führung, die so viel Verwirrung stiften, einen Sinn zu geben. Sie erhalten auch die Gelegenheit, sich mit anderen Führungskräften zu vernetzen und von ihren Erfahrungen zu profitieren.
  6. Sie helfen Ihnen, die nächste Ebene zu erreichen.
    Die meisten Unternehmer haben noch nie Kurse besucht, in denen sie lernen, wie man ein Unternehmen führt. Aus diesem Grund haben Sie vielleicht keine klare Vorstellung davon, wohin Sie gehen wollen. Vielleicht gibt es Expansionsmöglichkeiten, die Sie nicht in Betracht gezogen haben, oder vielleicht gibt es Geschäftsbeziehungen, die Sie nicht gepflegt haben. Auf der nächsten Stufe geht es um Fortschritt, und eine Möglichkeit, diesen Fortschritt zu erreichen, besteht darin, Ihre Fähigkeiten zu erweitern.
  7. Sie helfen Ihnen, Ihre Vision zu klären.
    Erfolgreiche Führungskräfte haben eine klare, solide Vorstellung davon, wohin sie gehen wollen. Training gibt Ihnen die Möglichkeit, sich von Ihren täglichen Pflichten zurückzuziehen, Ihre Organisation zu überprüfen und darüber nachzudenken, wie sich die Zukunft entwickeln könnte. Sie werden lernen, wie Sie Ihre Vision so vermitteln können, dass die Menschen um Sie herum wirklich motiviert werden.
  8. Sie bringen Ihnen bei, wie Sie Menschen beeinflussen können
    Bei der Ausbildung von Führungskräften geht es zum Teil darum, den Teilnehmern die Macht zu vermitteln, die Menschen um sie herum zu beeinflussen. Sie decken die Elemente der Motivation auf und zeigen Ihnen, wie Sie Ihr Team motivieren können. Sie helfen Ihnen auch, zwischen guten und schlechten Machtquellen und zwischen starken und schwachen Einflussmethoden zu unterscheiden.
  9. Sie lehren Sie, wie man ein Team aufbaut.
    Sie erhalten Einblicke, wie man ein gutes Team auswählt, wie man ein Team aufbaut, das in der Lage ist, Ihre Vision zu verwirklichen, und wie man Befehle erteilt, ohne zu schwach oder zu anmaßend zu wirken.
  10. Sie lehren Sie, wie Sie Fehler vermeiden können.
    Das Training wird Ihnen einen Einblick in die schlimmsten Fehler geben, die Sie als Führungskraft machen können. Es wurde Ihnen auch vermittelt, wie Sie dabei helfen können, einen Plan zur Vermeidung der Fallen und Fallstricke zu entwerfen, die Ihre Führungslaufbahn beenden können.

Beitrag von: https://management-akademie.eu/

TRADITIONELLE MUSIK AUS SARDINIEN

Die Launeddas sind ein altes Musikinstrument der sardischen Tradition: es ist ein Blasinstrument, das aus drei Flöten unterschiedlicher Größe besteht. Es wird sowohl bei religiösen als auch bei laizistischen Veranstaltungen gespielt.

Die Ursprünge der Launeddas liegen in den alten Zeiten, als die sardische Zivilisation Kontakte mit Völkern aus Nordafrika und dem Mittleren Osten hatte, wo ähnliche Instrumente in Gebrauch waren. Der erste Beweis für die Präsenz dieses Musikinstruments in Sardinien wurde in der Bronzestatue von Ittiri (nuragische Epoche) gefunden, die einen Launeddas-Spieler darstellt.

Um Launeddas zu spielen, muss man eine besondere Technik anwenden: die Zirkularatmung. Der Musiker muss die Luft mit der Nase einatmen, während er mit dem Mund ausatmet. Das Ergebnis ist ein kontinuierlicher Luftstrom im Instrument.

Eine wunderbare Gelegenheit, diesem Instrument zuzuhören, ist die Sagra di Sant’Efisio, die jedes Jahr am 1. Mai stattfindet.

Launeddas Spieler wurden in der Vergangenheit immer sehr geschätzt. Heute gibt es noch immer Launeddas-Schulen: die bekanntesten sind die aus der Gegend von Cagliari (Scuola del Campidano, Scuola del Sarrabus und Scuola della Trexenta) und die von Oristano (scuola del Sinis).

Wer neugierig auf diesen antiken Klang der Launeddas ist, wird die Gelegenheit nicht verpassen, ihn im Land und an den Orten zu hören, an denen die Musik dieses Instruments seit Jahrhunderten widerhallt. Es gibt nichts Besseres als einen Urlaub mit Wohnmobil auf Sardinien, um herauszufinden, wie Launeddas klingen.

Kurze Geschichte des Diamond Head Theatre

Das dritt-älteste kontinuierlich laufende Volkstheater des Landes, das seit 1915 in Betrieb ist. Es steht in Honululu auf Hawaii.

1915

Am 28. April 1915 wurde eine neue Theatergruppe namens The Footlights gegründet, als Will Lewers, Mrs. Walter F. Dillingham, Helen Alexander, Margaret Center und Gerrit Wilder in The Amazons von Pinero auftraten.

Die Aufführung fand im Opernhaus Honolulu statt, wo heute unsere Hauptpost in der Merchant Street steht. Das Vermächtnis dieser Theaterliebhaber hat sich zum drittältesten, kontinuierlich operierenden Theater in den gesamten Vereinigten Staaten entwickelt.

1934

Die Rampenlichter wurden neu organisiert und bekamen einen neuen Namen: Honolulu Community Theatre (HCT).

In dem ursprünglichen Leitbild, das auch heute noch gilt, hat sich das Theater dem gemeinnützigen Engagement durch die Kunst des Theaters verschrieben, an dem die Menschen auf Hawaii als Zuschauer, Bühnenpersonal und Darsteller beteiligt sind.

1952

Während des Zweiten Weltkriegs unterhielten HCT-Produktionen Tausende von Truppen bei über 300 Aufführungen im gesamten Pazifik (eine Tradition, die wir mit der Pazifik-Tournee von Ain’t Misbehavin‘ in der Saison 1990 fortgesetzt haben).

Dann, 1952, nahm HCT seinen Wohnsitz im Fort Ruger Theatre, dem damaligen Filmhaus der Army Post. Im Laufe der Jahre wurden umfangreiche Renovierungsarbeiten durchgeführt, um diese Struktur zu einem Veranstaltungsort für Bühnenproduktionen zu machen, darunter die Einrichtung von Bühnen- und Kostümgeschäften, die Installation von Beleuchtungs- und Beschallungsanlagen, behindertengerechte Toiletten, eine erste Lobby für unsere Gäste und ein Ausbau im Obergeschoss für Büroräume, Strahler und Leuchtschilder.

1990

Dann, 1990, kam ein neuer Name für einen alten Freund: Das Honolulu Community Theatre wurde zum Diamond Head Theatre (DHT).

Mit Energie, Professionalität und einem engagierten, ehrenamtlichen Korps von Schauspielern und Crewmitgliedern setzt sich DHT mehr denn je für Exzellenz und gesellschaftliches Engagement ein.

Jede Saison bieten wir sechs Theaterproduktionen auf der Hauptbühne an, darunter fünf große Musicals, in einer Größenordnung, die der des Broadway entspricht. Wir bieten Theaterworkshops an, um die Bewohner Hawaiis in den Bereichen Theaterkunst zu schulen. Schauspiel, Stimme und Tanzunterricht für Kinder, Jugendliche und Erwachsene werden das ganze Jahr über angeboten. Das Diamond Head Theatre Shooting Stars, eine Gruppe für darstellende Kunst, bietet den aufstrebenden jungen Stars von morgen die Möglichkeit, sich zu präsentieren und zu polieren. Schließlich halten mehr als 15.000 Freiwilligenstunden pro Saison DHT an der Spitze des lokalen Theaters und bieten Freiwilligen Erfahrung in Kunst und Beruf in der Theaterbranche. Diamond Head Theatre, der Broadway of the Pacific, ist stolz auf seine Geschichte und begeistert von seinem Wachstum und seiner Zukunft.

Dieser Kurzbeitrag wurde von einem Unternehmen bereitgestellt, welches mit Diamanten arbeiten und sich mit gleichnamigen Theater zurück in die Geschichte begeben hat: https://www.mdw-shop.de/diamant-schleifscheiben-300-mm

Der Junggesellenabschied-Hype

Die Bäume blühen, die Vögel singen, die Zeitungen sind voller Heiratsanzeigen. Während die letzten feuchten Frühlingswochen den lauen Sommertagen weichen, ist die Hochzeitssaison gekommen – und damit ein Ansturm von Junggesellenabschied. Mit geschätzten 2,2 Millionen Hochzeiten in den USA pro Jahr ist die Verabschiedung des Bräutigams ein großes Geschäft. Dutzende von Websites richten sich an die Bedürfnisse des Bachelor-Party-Planers (typischerweise der Trauzeuge des Bräutigams). I-Volution Inc., das zwei der größten Bachelor-Party-Websites im Internet besitzt, sagt, dass seine Websites etwa 4 Millionen Besucher pro Jahr erreichen – 35% von ihnen konzentrieren sich auf die Las Vegas-Pakete. Erleben Sie einfach den Erfolg des Erfolgsfilms The Hangover, dessen Geschichte von einem eheähnlichen Las Vegas-Ausflug, der schrecklich schief gelaufen ist, die Kasse zwei Wochen lang in Folge überragt hat und mehr als 105,4 Millionen Dollar einbrachte.

Ein kleines Unternehmen welches ebenfalls Jungesellenabschiede anbietet ist CAN YOU BEAT ME – Junggesellenabschied Berlin. Hier finden Männer wie auch Frauen spannende Spiele bevor es ins Eheglück geht.

JGA auch in Deutschland sehr beliebt

Die Junggesellenparty geht jedoch viel weiter zurück, als man erwarten würde. Es hat seine Wurzeln in der alten Geschichte – bereits im 5. Jahrhundert v. Chr. Es wird angenommen, dass die alten Spartaner die ersten waren, die aus der letzten Nacht des Bräutigams als einzelner Mann eine Feier machten. Spartanische Soldaten hielten ein Abendessen zu Ehren ihres Freundes ab und traten in seinem Namen an – mit, wie man annimmt, einem spartanischen Sinn für Anstand. Seitdem sind die Ereignisse in der Regel rauer geworden. 1896 wurde ein Hirschparty von Herbert Barnum Seeley – einem Enkel von P.T. Barnum – für seinen Bruder von der Polizei überfallen, nachdem Gerüchte kursierten, dass eine berühmte Bauchtänzerin nackt auftreten würde. Vor seiner Hochzeit mit Gloria Hatrick, Jimmy Stewart’s berüchtigten Schlag auf die Beverly Hills Hangout Chasen’s enthielt Zwerge, die aus einer Servierplatte sprangen.

Der Spaß kann jedoch außer Kontrolle geraten: In den letzten Jahren haben Junggesellenabschied hohe Jinks zu zahlreichen Trennungen in Hollywood geführt. Paris Hilton beschuldigte beau Paris Lastis, sie auf seiner Junggesellenparty betrogen zu haben – eine angebliche Indiskretion, die Mario Lopez und Ali Landry ähnlich zum Scheitern brachte. Nick Lachey’s berichtetes Tändelei mit einem Pornostar auf der Party eines Freundes – obwohl es abgelehnt wurde – löste Gerüchte über einen Riss mit Frau Jessica Simpson aus, bevor sie sich 2005 schließlich trennten. Und Peter Bergs dunkler Film Very Bad Things aus dem Jahr 1998 sollte von den Bräutigamen gesehen werden, um über die Bedeutung von gutem Verhalten zu sprechen (obwohl es wahrscheinlich nicht für ihre Verlobten ist).

JGA Geschichte

Der Begriff Bachelor – früher ein junger Springer oder ein Student mit Bachelor-Abschluss – erschien erstmals im 14. Jahrhundert in Bezug auf einen unverheirateten Mann in Geoffrey Chaucers Canterbury Tales. Der Begriff Bachelorparty tauchte jedoch erst 1922 auf, als er erstmals in der schottischen Publikation Chambers’s Journal of Literature, Science and Arts zur Beschreibung einer „fröhlichen alten“ Party verwendet wurde. Das Ereignis ist in verschiedenen Ländern unter verschiedenen Namen bekannt: der Junggesellenabschied in Großbritannien, Irland und Kanada, der Junggesellenabschied in Australien und eben auch Jungesellenabschied Deutschland.

In der Vergangenheit konnte eine Junggesellenparty gewöhnlich ein Abendessen mit schwarzer Krawatte beinhalten, das vom Vater des Bräutigams ausgerichtet wurde, mit Trinksprüchen auf den Bräutigam und die Braut. Die neueren Traditionen von Schikanen, Erniedrigungen und Ausschweifungen – oft an ganzen Wochenenden und mit Reisen zu einem exotischen Ziel wie Las Vegas oder dem nächstgelegenen Faksimile – wurden zu einem Grundnahrungsmittel für schlechte Sexkomödien der 80er Jahre.

Mit der sexuellen Revolution der 1960er Jahre hatten Frauen ihre eigene Version der Vorhochzeitsfeierlichkeiten lanciert: die Junggesellenabschied. Vor dem späten 19. Jahrhundert waren Frauen auf Brautduschen beschränkt, deren Hauptaufgabe darin bestand, eine Mitgift und Geschenke zu erwerben, um sie auf die Ehe vorzubereiten. Bachelorette-Partys gaben Frauen die Möglichkeit, ihre eigene sexuelle Freiheit mit Trinkspielen und (männlichen) Stripperinnen auszudrücken. Andere Paare, die sich mit den Erwartungen der Ausschweifung nicht wohl fühlen, feiern ihren letzten Abend zusammen in kombinierten Hirsch- und Rehparties – eine Idee, die immer beliebter wird, da mehr Paare zusammenleben und später im Leben heiraten. Bachelorpartys sind mittlerweile so vielfältig wie die beteiligten Junggesellen, von Las Vegas-Reisen (Zahnverlust, Würde und manchmal auch der Bräutigam, wie in The Hangover) bis hin zu einer lockeren Party mit Freunden und/oder der Verlobten. In erster Linie ist die Veranstaltung ein wichtiger Schritt, um sich vom eigenen Leben zu verabschieden und vor der Hochzeit auftretende Bammel zu lindern. Es muss nicht einmal eine Party geben: Einige Männer entscheiden sich jetzt für „Bräutigamsduschen“, in denen sie ihre eigene Mitgift von Kicker-Tischen und Elektrowerkzeugen erwerben.

Wie feiert man einen JGA in Berlin?

In Berlin gibt es mittlerweile zahlreiche Anbieter die JGA’s veranstalten. EIner unter Ihnen ist noch sehr jung im Geschäft aber hat dafür ein ganz besonderes Erlebnis. Sehen Sie hier das Angebot von CAN YOU BEAT ME – JGA Berlin für Männer und Frauen

BABYLON – Berlin | Staatsoper

OPER IN SIEBEN TABLEAUS (2012/2019)

Unseren aktuellen Kulturtrip starten wir von Potsdam. Verpflegung und Unterkunft gibt es im 4 Sterne Inselhotel Potsdam.

Inselhotel Potsdam, Hermannswerder 30, 14473 Potsdam

Am nächsten Tag gibt es noch einen Abstecher zum Schloss Sanssouci, um dann am 20.03.19 in die Staatsoper in Berlin zu fahren. Dort schauen wir uns das Stück „Babylon“ an. Dazu ein kurzer Auszug zum Inhalt des Stückes:

Jörg Widmanns „Babylon“ beschäftigt sich mit den Grenzen der Sprache, ja der sprachlichen Verwirrung. Die multikulturelle Gesellschaft der vorantiken, kulturell fortgeschrittenen Metropole Babylon stellt der Komponist in den Mittelpunkt seiner Oper. Nicht nur die Babylonier bewegen sich zwischen Chaos und Ordnung, sondern auch der jüdische Exilant Tammu, der seine einstige Liebe, die Seele, verlässt, sich stattdessen an die babylonische Priesterin des Krieges und der freien Liebe, Inanna, zu wenden. Wenn ein Menschenopfer gefordert wird, um die Götter zu besänftigen, die einst das Volk von Babylon mit der Sintflut bestraft haben, wählt der Priesterkönig Tammu. Nachdem Tammu hingerichtet wurde, beschließt Inanna, in die Unterwelt hinunterzugehen, um ihren Herrscher, den Tod, zu überzeugen, damit ihre Geliebte in die Welt der Lebenden zurückkehren kann. Schließlich wird ein neuer Bund zwischen den Göttern und dem Volk geschlossen, und die Ordnung wird – zumindest vorübergehend – wiederhergestellt.

Widmanns Partitur ist ein üppiges Klangkaleidoskop der heterogenen Gesellschaft Babylons, eine faszinierende Collage, in der eine Vielzahl von Klangfarben, Klangszenen und Klangstrukturen aufeinander treffen. Das Werk nimmt zahlreiche Bezüge zur Musikgeschichte und zu bekannten Themen auf, darunter Mozarts „Zauberflöte“. Eine Oper in Cinemascope, die 2012 in München uraufgeführt wurde und nun in einer neuen Fassung auf die Bühne kommt.

Schritt-für-Schritt-Anleitung zur Modernisierung Ihres Theatermarketings

Ein volles Haus für die Eröffnungsnacht Ihrer neuesten Produktion ist nicht nur eine gute Nachricht für die Theatereinnahmen, sondern wird Ihre Darsteller, Kreativen und Ihr Produktionsteam inspirieren, ihre bestmögliche Show zu präsentieren und gleichzeitig eine aufregende Atmosphäre für das Publikum zu schaffen. In dicht besiedelten Wettbewerbsgebieten wie der Gran Via in Madrid, dem West End in London oder dem Broadway, wo das Publikum Hunderte von Theater- und Musikoptionen zur Verfügung hat, kann es schwierig sein, sicherzustellen, dass es sich für Ihr Theater entscheidet. Das Geheimnis eines vollen Hauses am Eröffnungsabend und jede Nacht danach ist eine sorgfältig geplante und datengesteuerte Marketingstrategie.

Um dies zu erreichen, müssen die Theater das Beste aus den digitalen Ressourcen in ihrer Marketingstrategie machen: Einige nutzen immer noch nicht die volle Macht der Social Media, nutzen Ticketinglösungen oder entwickeln wirklich innovative Arten von Inhalten. Es ist an der Zeit, Ihr Theater-Marketing mit diesem umfangreichen Leitfaden zur Aktualisierung Ihres Theater-Marketings für 2018 zu überarbeiten.

Schlüsselelemente des Theater-Marketings:

1. Klare Ziele setzen

Bevor Sie mit Ihrer neuen Theater-Marketingstrategie beginnen, sollten Sie sich darüber im Klaren sein, was Sie damit erreichen wollen. Es nützt nichts, Ihrem Marketing Zeit und Ressourcen zuzuweisen, wenn diese nicht effektiv zur Erreichung eines bestimmten Ziels eingesetzt werden. Dies könnte sein, mehr Tickets zu verkaufen, es könnte sein, um den Traffic auf Ihrer Website zu erhöhen, es könnte sein, um mehr von einer Anhängerschaft auf Social Media zu gewinnen. Machen Sie Ihre Ziele messbar und realistisch und verfolgen Sie Ihren Fortschritt, während Ihre Show zu Ruhm wird, damit Sie Ihre Strategie bewerten und anpassen können, um ihre Leistung zu verbessern.

2. Keine pauschale Werbung machen

Jede Produktion wird einen anderen Zielmarkt und eine andere einzigartige Anziehungskraft haben und daher erfordert jede Produktion ihren eigenen maßgeschneiderten Ansatz. Die Zeiten des flächendeckenden, nicht zielgerichteten Marketings sind längst vorbei. Wenn Sie eine Produktion oder ein Event in Ihrem Theater bewerben, müssen Sie für jede Show eine individuelle Strategie entwerfen, die darauf basiert, wer sich dafür interessiert und welche Art von Arbeit es ist. So benötigt beispielsweise ein großformatiges, familiäres Broadway-Musical eine ganz andere Präsentation als eine intime Anpassung an eine Shakespeare-Tragödie. Um eine bessere Vorstellung von der Produktion selbst zu bekommen, bevor Sie mit Ihrer Marketingstrategie beginnen, setzen Sie sich nach Möglichkeit mit dem Regisseur, Produzenten, Schauspielern oder Autor zusammen, um einen tieferen Einblick in das Produkt zu erhalten, das Sie bewerben. Sie kennen die Produktion am besten: Was ist neu an ihr, was bietet sie dem Publikum, was gefällt an ihr und an wen sie gerichtet ist. Sie können diese Informationen verwenden, um eine sorgfältig abgestimmte Marketingstrategie rund um die Show selbst und ihre jeweilige Zielgruppe zu strukturieren.

3. Durchführung von Wettbewerberrecherchen

Theater-Marketing kann ein hartes Spiel sein. Zuschauer, die eine Nacht im Theater in einer Großstadt wie Madrid verbringen möchten, haben eine Reihe von Möglichkeiten, und es kann eine Herausforderung sein, Ihre Produktion aus dem Lärm herauszuheben. Das ist der Grund, warum vor der Entwicklung Ihrer neuen Marketingstrategie, wenn Sie noch keine Wettbewerbsinformationen haben, die Konkurrenzrecherche der Schlüssel ist. Identifizieren Sie etwa 3-5 Hauptkonkurrenten und schauen Sie sich an, welche Kanäle sie nutzen, welche Art von Inhalten sie erstellen, wie sie mit dem Publikum auf Social Media kommunizieren und von ihnen lernen. Finde heraus, was gut funktioniert und was nicht, was deiner Meinung nach für dein Theater funktionieren könnte und was nicht zu deinen Zielen und deinem Charakter passt. Um in dieser sich ständig weiterentwickelnden Branche wettbewerbsfähig zu bleiben, ist es entscheidend, die Tools und Techniken im Auge zu behalten, die Ihre Konkurrenten in ihren Marketingaktivitäten verwenden, und diese im Laufe der Zeit zu überwachen, um über alle wichtigen Entwicklungen oder Entwicklungen informiert zu sein.

8 Tipps zur Aktualisierung Ihrer Theater-Marketingstrategie:

1. Nutzen Sie E-Mail-Marketing zu Ihrem Vorteil

Man könnte sagen, dass E-Mail-Marketing tot ist. Tatsächlich ist es eine unschätzbare Ressource, um halbwegs regelmäßige Theaterbesucher an Bord zu halten, um Ihren Kunden nützliche und interessante Inhalte zu liefern und mehr Tickets zu verkaufen. Wenn Sie dies noch nicht getan haben, richten Sie auf Ihrer Website einen Aufruf zur Newsletter-Anmeldung ein und senden Sie eine wöchentliche oder halbjährliche E-Mail an Ihre Abonnenten. Versuchen Sie, dies nicht als „Verkaufen“ Ihres Theaters zu betrachten, sondern als „Geben“ Ihres Publikums etwas Wertvolles, was bedeutet, dass es seine Beziehung zu Ihrem Theater fortsetzen möchte. Das könnte eine Sammlung interessanter Artikel über den Zustand des Theaters in Ihrer Stadt, Branchennews oder Trends oder Empfehlungen zu anderen Produktionen oder Theatern bedeuten, von denen Sie denken, dass sie Ihren Kunden gefallen könnten. Achten Sie darauf, dass Sie Ihren Text mit Bildern und Videos aufteilen. Denken Sie daran – es muss nicht immer um Ihr Theater gehen und es direkt bewerben. Liefern Sie Ihren Kunden jede Woche etwas wirklich Hilfreiches und schon bald werden Sie sehen, dass Gelegenheitskunden zu Stammkunden auf Ihren Messen werden.

2. Datengesteuert machen

Stellen Sie sicher, dass Ihre Marketingstrategie auf dem Verständnis Ihrer Kunden basiert. Es nützt nichts, im Dunkeln Schritte zu unternehmen, ohne ein detailliertes Verständnis von Kundenverhalten, Trends und Mustern. Ein Ticket-Distributionssystem, das Ihnen Echtzeit-Verkaufsergebnisse liefert, und eine CRM-Software, die Sie mit Marketingdaten versorgt, informieren Ihre Marketingstrategie, helfen Ihnen, Chancen und Risiken zu erkennen und Ihre Strategie letztlich effektiver zu gestalten. Ein zentrales Ticketmanagementsystem könnte Sie beispielsweise darauf aufmerksam machen, dass an bestimmten Tagen der Woche mehr Tickets verkauft werden. Wenn Sie einen kurzfristigen Wettbewerb, Rabatt oder ein Werbegeschenk durchführen, können Sie diese Daten nutzen, um diese Aktion zu planen, um ruhigere Verkaufstage zu fördern, oder um an Tagen zu landen, an denen Sie wissen, dass Kunden eher einen Kauf tätigen werden.

3. Hashtags

Wenn Ihr Theater nicht die volle Kraft des Social Media Marketings nutzt, verpassen Sie einen Trick. Tatsächlich zeigen Studien, dass Theater im Vergleich zu Kinos und Musikzentren oft hinter der Kurve zurückbleiben, wenn es darum geht, Social Media zu nutzen, um über ihre Produktionen und ihr einzigartiges Angebot zu informieren. Ein guter Ausgangspunkt ist die Identifizierung eines unvergesslichen Hashtags für Ihr Theater und für jede Produktion, die Sie durchführen. Verwenden Sie es beim Twittern oder Installieren über Ihre neueste Produktion und ermutigen Sie Ihr Publikum, es zu verwenden, wenn es nach der Show in Social Media geht, um davon zu schwärmen, indem Sie Karten mit dem Hashtag darauf verteilen, wenn es das Theater verlässt. Dieser einfache Ansatz wird dazu beitragen, ein großes Interesse an Ihrem Theater zu wecken, die Interaktion zwischen Ihrem Theater und Ihrem Publikum zu erhöhen und auch Ihre Online-Präsenz zu verbessern.

4. Es dreht sich alles um Video

In den letzten Jahren hat es eine Explosion im Videomarketing gegeben. Bei all den visuellen Spektakeln, die täglich in Ihrem Theater entstehen, wären Sie dumm, die Gelegenheit zu verpassen, einige dynamische Videos zu erstellen, um Ihr Theater zu promoten. In einer aktuellen Umfrage unter Unternehmen, die Videomarketing einsetzen, gaben 76% der Befragten an, dass es ihnen geholfen hat, den Umsatz zu steigern. Denken Sie an Teaser-Videos von bevorstehenden Produktionen, Interviews mit Zuschauern, die das Theater verlassen, Probenvideos oder eine Tour hinter den Kulissen durch den Backstage-Bereich und die Teams Ihres Theaters. Diese können dann in Ihrem Blog, Social Media und Newsletter beworben werden. Studien zeigen, dass 85 % der Menschen sagen, dass sie 2018 mehr Videos sehen möchten, also geben Sie den Menschen, was sie wollen! Hochwertige Videos können ein großer Gewinn für Ihr Theater-Marketing sein.

5. Vergessen Sie nicht den Druck.

In diesem digitalen Zeitalter ist es leicht, die einfache, aber effektive Kraft des Print-Marketings zu vergessen. Wer kann die legendäre Kampagne des Buches Mormon vergessen, bei der „The Mormons Are Coming“ in Londoner Zeitungen und Bahnhofsplakate zur Hauptverkehrszeit gespritzt wurde, als „Mormonische Manie“ die Hauptstadt übernahm? Wir haben aus dieser berühmten Kampagne gelernt, dass ein mutiges Design, ein emotionaler Slogan wie „The Mormons Are Coming“ und sorgfältig positionierte Printmedien wie Poster, Anzeigen in Magazinen und Zeitungen, Flyer und Karten einen großen Einfluss haben können, insbesondere wenn Sie eine bestimmte Region ansprechen. Durch die Kombination von Print- und digitalen Marketingansätzen, z.B. durch das Hinzufügen von QR-Codes zu Ihrem Print-Marketing, die beim Scannen eine Verknüpfung auf einem Smartphone auslösen, können Sie Ihr Publikum maximieren und mit Ihrem Theater-Marketingansatz mehr Menschen erreichen.

6. Verwenden Sie eine Vielzahl von Ticketing-Kanälen.

Die Bekanntheit Ihres Theaters zu erhöhen bedeutet, sicherzustellen, dass Kunden mit wenigen Klicks Tickets kaufen und Informationen über Ihre Shows erhalten können. Wenn Informationen und Tickets zu Ihrem Theater nur auf Ihrer Website allein verfügbar sind, können Kunden einfach eine andere Produktion oder Veranstaltung auswählen, die sie für die Nutzung ihres bevorzugten vertrauenswürdigen Ticketing-Kanals buchen können. Externe Ticketing-Kanäle können den Kunden auch Pakete anbieten, die ihr Theatererlebnis mit einem Hotelaufenthalt oder einem Pre-Theater-Dinner verbinden. Nutzen Sie daher die Möglichkeiten von Ticketing-Kanälen wie Atrapalo, Ticketmaster, Ticketea, Lastminute.com oder Londontheater.co.uk, um sicherzustellen, dass Ihr Theater-Marketing mit einem möglichst breiten Publikum in Kontakt kommt. Dies mag viel zu verwalten scheinen, aber der Einsatz eines Ticketverteilungssystems (TDS) kann Ihnen helfen, mehrere Ticketkanäle gleichzeitig über eine zentrale Plattform zu überwachen, um die Wirkung zu maximieren.

7. Podcasting erhalten

Im Durchschnitt hören die Zuschauer in Großbritannien 6 Stunden Podcasts pro Woche. Als eine aufstrebende Form von Content, die von Jahr zu Jahr an Popularität gewinnt, ist dies eine großartige Gelegenheit, sich in einem aufstrebenden Umfeld einen Namen zu machen. Der Podcast Ihres Theaters könnte Interviews mit Regisseuren, Schauspielern, Produzenten und Designern, Diskussionen über Trends in der Theaterszene und Rezensionen über andere Produktionen beinhalten, die Ihr Team gesehen und genossen hat. Podcasting ist relativ kostengünstig und durch die Bereitstellung interessanter wöchentlicher Audioinhalte können Sie dauerhafte Beziehungen zu potenziellen Zielgruppen aufbauen, die sich inspirieren lassen, Ihre neueste Produktion anzuschauen, nachdem sie die Perspektive eines Schauspielers oder die Vision eines Regisseurs für sie gehört haben.

8. Influencer

Zunehmend, insbesondere wenn Sie eine jüngere Zielgruppe ansprechen wollen, werden die Buchungsmuster und -verhaltensweisen der Kunden durch Social Media und insbesondere durch Influencer beeinflusst. Wenn Sie sorgfältig ausgewählte Influencer in Ihr Theater einladen, um eine Produktion zu sehen, können Sie ein neues Publikum erreichen und das Bewusstsein für Ihr Theater stärken. Wählen Sie mit Vorsicht: Laden Sie diejenigen ein, die über Theater oder kulturelle Veranstaltungen berichten, da ihre Anhänger eher daran interessiert sind, was Ihr Theater zu bieten hat. Achten Sie darauf, Influencer auszuwählen, deren Anhänger in Ihrer Nähe ansässig sind, und wählen Sie immer jemanden mit einer kleinen Nische von engagierten Anhängern über eine Figur mit einer großen Anzahl von Anhängern, die möglicherweise nicht daran interessiert sind, von Ihrem Theater zu hören. Als Gegenleistung für ein kostenloses Ticket bloggen, posten oder schreiben sie über ihre erstaunliche Erfahrung in Ihrem Theater, sorgen für Begeisterung und steigern das Bewusstsein. Kostenlose Werbung für Sie und kostenloses Ticket für sie: Jeder gewinnt!

In der hart umkämpften Theaterbranche muss eine unschlagbare Marketingstrategie Social Media und digitale Tools zu ihrem vollen Vorteil nutzen, um das Bewusstsein zu steigern, den Traffic zu erhöhen und Ticketverkäufe zu generieren. Diese Werkzeuge können den Unterschied zwischen dem Vorhang, der zu einem halb leeren Theater führt, und einem summenden vollen Haus Nacht für Nacht ausmachen. Diese Tipps zur Modernisierung und Optimierung Ihres Theater-Marketings helfen Ihnen, Ihr Theater-Marketing ins 21. Jahrhundert zu führen und den Umsatz zu steigern. Um den Ticketverkauf für Ihr Theater weiter zu optimieren, bietet Ihnen die B2B Werbeagentur aus Osnabrück eine umfassende Beratung an, damit Sie Ihr Theater effektiver vermarkten können.

Altgriechisches Theater

Altgriechisches Theater

 

Die griechische Theatergeschichte begann mit Festivals zu Ehren ihrer Götter. Ein Gott, Dionysos, wurde mit einem Festival geehrt, das von „City Dionysia“ genannt wird. In Athen, während dieses Festivals, sangen Männer Lieder, um Dionysos zu begrüßen. Die Stücke wurden nur beim City Dionysia Festival aufgeführt.

Athen war das Hauptzentrum für diese theatralischen Traditionen. Die Athener verbreiteten diese Feste an ihre zahlreichen Verbündeten, um eine gemeinsame Identität zu fördern.

Bei den frühen griechischen Festivals waren die Schauspieler, Regisseure und Dramatiker alle ein und dieselbe Person. Nach einiger Zeit durften nur noch drei Schauspieler in jedem Stück auftreten. Später durften nur noch wenige nicht-sprachliche Rollen auf der Bühne auftreten. Aufgrund der begrenzten Anzahl von Schauspielern, die auf der Bühne zugelassen waren, entwickelte sich der Chor zu einem sehr aktiven Teil des griechischen Theaters. Musik wurde oft während der Übertragung der Linien des Chores gespielt.

Tragödie, Komödie und Satyrspiele waren die theatralischen Formen.

Tragödie und Komödie wurden als völlig getrennte Genres betrachtet. Satyr-Stücke beschäftigten sich in komischer Weise mit dem mythologischen Thema. Aristoteles‘ Poetik stellt eine These über die perfekte Struktur für Tragödien dar.

Tragödien

Thespis gilt als der erste griechische „Schauspieler“ und Urheber der Tragödie (was „Ziegenlied“ bedeutet, vielleicht bezieht er sich auf Ziegen, die Dionysos vor den Auftritten geopfert wurden, oder auf Ziegenhäute, die von den Darstellern getragen wurden.) Seine Bedeutung ist jedoch umstritten, und Thespis wird manchmal erst bis zum sechzehnten in der chronologischen Reihenfolge der griechischen Tragiker aufgeführt.

Aristoteles‘ Poetik enthält die früheste bekannte Theorie über die Ursprünge des griechischen Theaters. Er sagt, dass sich die Tragödie aus Dithyramiden entwickelt hat, Lieder, die jedes Jahr bei den Dionysien zum Lob von Dionysos gesungen werden. Die Dithyramme mögen als rasende Improvisationen begonnen haben, aber in den 600er Jahren v. Chr. wird dem Dichter Arion zugeschrieben, dass er das Dithyramb zu einer formalisierten Erzählung entwickelt hat, die von einem Chor gesungen wird.

Drei bekannte griechische Dramatiker des fünften Jahrhunderts sind Sophokles, Euripides und Aischylos.

Komödien

Auch im altgriechischen Theater war die Komödie ein wichtiger Bestandteil. Komödienspiele wurden aus Nachahmungen abgeleitet; es gibt keine Spuren ihrer Entstehung. Aristophanes schrieb die meisten der Komödienstücke. Von diesen 11 Stücken blieb übrig – Lysistrata, eine humorvolle Geschichte über eine starke Frau, die eine weibliche Koalition führt, um den Krieg in Griechenland zu beenden.

Griechisches Theater

Theatergebäude wurden als Theatron bezeichnet. Die Theater waren große Freiluftbauwerke, die an den Hängen von Hügeln errichtet wurden. Sie bestanden aus drei Hauptelementen: dem Orchester, der Skene und dem Publikum.

Orchester: Ein großer runder oder rechteckiger Bereich im mittleren Teil des Theaters, in dem früher das Spiel, der Tanz, die religiösen Riten und die Schauspielerei stattfanden.

Skene: Ein großes rechteckiges Gebäude hinter dem Orchester, das als Backstage genutzt wird. Schauspieler konnten ihre Kostüme und Masken wechseln. Früher war der Skene ein Zelt oder eine Hütte, später wurde er zu einer permanenten Steinstruktur. Diese Strukturen wurden manchmal als Kulissen gemalt.

Aus dem Kreis des Orchesters erhob sich das Publikum. Die Theater wurden ursprünglich in sehr großem Stil gebaut, um die große Anzahl von Menschen auf der Bühne und die große Anzahl von Menschen im Publikum, bis zu vierzehntausend, aufzunehmen.

Handeln

Die Besetzung eines griechischen Stückes in der Dionyse bestand aus Amateuren, nicht aus Profis (alle männlich).

Altgriechische Schauspieler mussten großartig gestikulieren, damit das gesamte Publikum die Geschichte sehen und hören konnte. Die meisten griechischen Theater waren jedoch geschickt konstruiert, um auch den kleinsten Ton auf jeden Sitzplatz zu übertragen.

Kostüme und Masken

Die Schauspieler waren so weit weg vom Publikum, dass sie ohne die Hilfe von übertriebenen Kostümen und Masken auskamen.

Die Masken waren aus Leinen oder Kork, so dass keine überlebt hat. Tragische Masken trugen traurige oder schmerzhafte Ausdrücke, während Comic-Masken lächelten oder lachten.

Die Form der Maske verstärkte die Stimme des Schauspielers und machte seine Worte für das Publikum leichter hörbar.

Der große Shakespeare

Das Leben von Shakespeare: 1564-1616

Der mysteriöse Tod von Marlowe, dem Cambridge-Absolventen, und die brillante Karriere von Shakespeare, dem Gymnasiasten aus Stratford, haben einige dazu veranlasst zu spekulieren, dass seine Geheimdienstaktivitäten es für Marlowe klug machen, von der Szene zu verschwinden – und dass er den Namen eines kleineren Mannes, Shakespeare, benutzt, um seine Bühnenkarriere fortzusetzen. Andere, die ähnlich zu Verschwörungstheorien neigen, haben sich davon überzeugt, dass Shakespeares Stücke das Werk des Staatsmannes und Essayisten Francis Bacon sind.

Snobismus statt Gelehrsamkeit scheint solche Argumente zu untermauern. Ihre Befürworter finden es schwer zu akzeptieren, dass der unbekannte Junge aus Stratford die Krönung der englischen Literatur hätte schaffen sollen.

Die Wahrheit ist, dass William Shakespeare keine so unbekannte Figur ist, und die Ausbildung an Englands damaligen Gymnasien gehört zu den besten, die es gibt. Shakespeares Taufe wird am 26. April 1564 in Stratford-upon-Avon festgehalten (dies ist nur drei Tage nach dem St. Georgs-Tag, was die Tradition ermöglicht, dass Englands Nationaldichter zum Glück am englischen Nationalfeiertag geboren wird).

Shakespeares Vater, John, ist ein führender Bürger der Stadt und seit einiger Zeit eine Gerechtigkeit des Friedens. Es ist eine sichere Annahme (obwohl es keine Beweise gibt), dass Shakespeare an Stratfords Gymnasium ausgebildet ist.

1582, im Alter von achtzehn Jahren, heiratet Shakespeare Anne Hathaway. Ihr erstes Kind, Susanna, wird 1583 getauft, gefolgt von Zwillingen, Hamnet und Judith, 1585.

Die Pest stoppt Theaterauftritte

Dann gibt es eine mehrjährige Lücke in der dokumentarischen Aufzeichnung von Shakespeares Leben, aber er ist mindestens 1592 am Londoner Theater beteiligt – als Schauspieler, der sich auch als Dramatiker versucht -, als er in einer polemischen Broschüre von Robert Greeene als „upstart crow“ angegriffen wird. Im Jahr 1593 veröffentlicht er ein Gedicht, Venus und Adonis, gefolgt von 1594 mit Der Vergewaltigung von Lucrece. Inzwischen hat er die drei Teile von Heinrich VI. und, wahrscheinlich im Winter 1592, von Richard III. aufgeführt.

Die Londoner Theater sind 1592 und 1593 außer in der kurzen Mittwinterzeit aus Angst vor der Pest geschlossen, aber 1594 normalisiert sich die Situation wieder und Shakespeares Karriere beschleunigt sich. Heute ist er ein führendes Mitglied von Londons erfolgreichstem Unternehmen, das von der Familie Burbage am Theater geführt wird. Die Schirmherrschaft am Hof verleiht ihnen zunächst den Titel der Männer des Lord Chamberlain’s Men. Mit dem Beitritt von Jakobus I. im Jahr 1603 erhalten sie eine direkte königliche Gunst, danach werden sie als die Männer des Königs bezeichnet.

Shakespeares Anteil am Gewinn dieser Firma, die ab 1599 vom Globe am Bankside aus operiert, macht ihn zu einem wohlhabenden Mann. Die meisten der nachfolgenden dokumentarischen Referenzen beziehen sich auf Einkäufe in seiner Heimatstadt Stratford.

1597 bezahlt Shakespeare 60 Pfund für ein großes Haus und einen großen Garten, New Place in der Chapel Street. Bis 1602 hat er genug Geld, um ein Anwesen von 107 Hektar etwas außerhalb von Stratford zu kaufen, und er fährt in den nächsten Jahren fort, Investitionen in und um die Stadt zu tätigen. Um 1610 beginnt er, weniger Zeit in London und mehr in New Place zu verbringen, wo er 1616 stirbt. Er ist im Chor der Stratford Pfarrkirche begraben.

Shakespeare hat wenig Interesse an der Veröffentlichung seiner Stücke gezeigt, denn wie andere seiner Zeit betrachtet er sie wahrscheinlich eher als Aufführungsschriften als als Literatur. Nach seinem Tod sammeln zwei seiner Kollegen, John Heminge und Henry Condell, die Texte von sechsunddreißig Stücken, die sie 1623 in der heute als erstes Folio bekannten Ausgabe veröffentlichen.

 

Die Spiele vor 1601

Um 1600 hat Shakespeare sein Genie in jeder Art von Stück, außer in der Tragödie, endgültig unter Beweis gestellt. In der dramatisierenden englischen Geschichte hat er sich von den fummelnden Anfängen der drei Teile Heinrichs VI. (1590-92) über das prächtige Melodram von Richard III. (1592), die subtile Charakterstudie von Richard II. (1595), die jugendliche Pracht von Henry V. (1600) und, am erfolgreichsten, das großartige Paar von Stücken über Heinrich IV. und seinen eigenwilligen Sohn Prince Hal entwickelt.

Henry IV, Teil 1 und 2 (1597-8) präsentieren ein reichhaltiges Panorama des englischen Lebens, vom Hof und Schlachtfeld über die Taverne bis hin zum rustikalen Rückzugsort. Sie stellen in Falstaff auch die abgerundeteste und unvergesslichste Comicfigur der englischen Literatur vor.

Inzwischen hat Shakespeare eine süße und zarte Sorte romantischer Poesie entwickelt, die zuerst in der tragischen Romanze von Romeo und Julia (1595) und dann in den komischen Romanzen A Midsummer Night’s Dream (1596) und As You Like It (1599) zu sehen ist. Und er hat sein Können in einer mehr umwerfenden Art von Komödie bewiesen, mit The Taming of the Shrew (1593) und The Merry Wives of Windsor (1600).

Nach 1600 gibt es noch ein weiteres Stück, das breite Komödie (in den Possen von Toby Belch und Andrew Aguecheek) und bezaubernd romantische Poesie (wie in der allerersten Zeile: „Wenn Musik die Speise der Liebe ist, dann spiel weiter“) kombiniert. Dies ist die Zwölfte Nacht, und ihre erste Produktion findet möglicherweise weniger als eine Woche nach 1601 statt. Es gibt Hinweise darauf, dass Shakespeare es wahrscheinlich im Rahmen der Feierlichkeiten zur Zwölften Nacht (oder zum 6. Januar) am Hof Elisabeths in diesem Jahr schreibt.

Im Allgemeinen wird Shakespeares Palette jedoch mit dem neuen Jahrhundert dunkler. In den nächsten Jahren gibt es einige viel weniger sonnige Komödien und seine vier großen Tragödien.

Tragödien und dunkle Komödien: 1601-1608

Shakespeares erster Versuch einer groß angelegten Tragödie im Jahr 1601 bringt eine Figur auf die Bühne, Hamlet, deren Wesen und Schwächen mehr Diskussionen ausgelöst haben als jede andere Shakespeare-Schöpfung. Seine vorherrschenden Eigenschaften von Selbstzweifeln und Selbstdramatisierung scheinen für einen tragischen Helden kaum vielversprechendes Material zu sein, aber Shakespeare nutzt sie, um ein intensiv persönliches Drama zu schaffen. Jede Gelegenheit zum Handeln veranlasst den jungen Prinzen, sich einem anderen selbstsuchenden Selbstgespräch hinzugeben, jede verpasste Gelegenheit macht die Katastrophe unvermeidlicher.

Othello ist die nächste der großen Tragödien, um 1603, mit der Eifersucht des grünäugigen Monsters, das heute die treibende Kraft auf dem Weg zur Zerstörung ist.

König Lear, etwa 1605, ist die elementarste der Tragödien, wobei der Verstand des alten Königs durch Stürme auf einer offenen Heide ebenso wie durch seine Behandlung durch die Hände seiner gefühllosen Töchter geschwängert wird. Macbeth, ein Jahr oder so später, macht die Schuld selbst zum Stoff der Tragödie, nachdem der rücksichtslose Ehrgeiz die Ereignisse auf den Weg gebracht hat.

Diese Stücke sind insofern tragisch, als jedes einen zentralen Charakter hat, dessen Handlungen die Ereignisse antreiben und dessen Fehler den Schluss unvermeidlich machen. Andere, die in diesen Jahren geschrieben wurden, sind vielleicht keine Tragödien im eigentlichen Sinne, aber sie haben einen bitteren Geschmack, der weit weg von der Komödie ist. Ein Beispiel dafür sind Troilus und Cressida (1602) mit ihrem ätzenden Blick auf die Welt, der von den Thersiten ausgedrückt wird.

Selbst die Stücke dieser Zeit, die buchstäblich Komödien sind, im einfachen Sinne, dass sie glücklich enden, sind in einer Stimmung, die der Tragödie näherkommt.

In den Jahren danach beschäftigt sich Macbeth Shakespeare mit zwei römischen Themen. In Antony and Cleopatra (1607) tragen die Fakten der Geschichte seine beiden berühmten Liebhaber zu ihrem tragischen Schicksal. In Coriolanus (1608) ist es die Arroganz der Hauptfigur, die das Drama schafft – gelöst nur, wenn seine Pflicht als Sohn als Antwort auf das Flehen seiner alten Mutter zu seinem eigenen Tod führt.

Das letzte Spiel: 1608-1611

Shakespeares letzte vier Stücke, beginnend mit Pericles, Prince of Tyre, etwa 1608, teilen ein Muster aus Bruch, Ruhestand, Erneuerung und Versöhnung. Ähnlich wie der natürliche Rhythmus des Winters, gefolgt von Winterschlaf und dem Auftauchen in den Frühling, beginnen die Parzellen mit gewalttätigen bösen Taten. Die guten Charaktere entkommen irgendwie der Sicherheit und einem neuen Leben, oft mit einer neuen Identität. Jahre vergehen und Kinder werden erwachsen, bis schließlich alles geklärt ist.

In Perikles treten die Ereignisse angeblich im alten Tyre auf. In Cymbeline (1609) ist die gequälte Familie die der historischen Cunobelin, König eines keltischen britischen Stammes. Die Wintererzählung (1611), die in undefinierten klassischen Zeiten spielt, findet in den Königreichen Sizilien und Böhmen statt.

Der Sturm (auch 1611) steht in einem viel geeigneteren Kontext für jede Geschichte dieser Art, halb real und halb magisch: „Die Szene, eine unbewohnte Insel“. Seit zwölf Jahren ist die Insel die Heimat eines Opfers politischer Hinterhältigkeit – Prospero, Herzog von Mailand, begleitet von seiner kleinen Tochter Miranda. Sie teilen den Ort mit einem untermenschlichen Bewohner, Kaliban, und einem Geist, der hier gefangen ist, Ariel.

Da dies eine Insel ist und Prospero über magische Kräfte verfügt, bietet der Schiffbruch eine einfache Möglichkeit, die bösen Charaktere, die für Prosperos Exil verantwortlich waren, zu befreien.

Mit ihrer Ankunft sind die Zutaten für eine Fantasie vorhanden, die auf vielen der wichtigsten Kontraste des Lebens spielt. Die Wege der Welt, sowohl gute als auch schlechte, werden durch die unschuldigen Augen von Miranda, für die alles neu ist, in einem neuen Licht gesehen. Die wohlwollende Weisheit von Prospero überlistet die intriganten Tricks seiner Gegner. Betrunkene Besatzungsmitglieder haben eine natürliche Affinität zum unzufriedenen Kaliban. Und die Insel als magischer Ort kann ihre eigenen Überraschungen hervorrufen.

Am Ende des Stückes, als Prospero die Hauptfiguren zur Versöhnung zusammengeführt hat, verzichtet er in einem Abschiedsnachspiel auf seine magischen Kräfte.

Prosperos letzte Rede wurde oft als Shakespeares eigener Abschied von seiner Theaterkarriere angesehen und gab die Magie auf, mit der er so viele Geschichten und Charaktere auf die Bühne gebracht hat.

Es könnte so sein. Aber er ist Mitautor eines weiteren Stückes, Heinrich VIII. (1613), und ein Ereignis während einer seiner Aufführungen besiegelt sicherlich seinen Ruhestand. Ein Funke aus einer Bühnenkanone zündet das Strohdach des Globus an, das bis auf den Boden brennt. Das Theater wird wiederaufgebaut und 1614 mit einem Ziegeldach wiedereröffnet. Aber das Ereignis wird Shakespeare wahrscheinlich in seinem Vollzeitrückzug zu seinen Grundstücken in Stratford bestätigen, wo er 1616 stirbt.

Geschichte des englischen Theaters

Englisches Theater

Das Theater war schon immer ein wichtiger Teil der Kultur eines jeden Landes oder einer jeden Zivilisation. Es erlaubt dem Publikum, in die Emotionen eines anderen einzutauchen, ob Freude oder Frivolität bei einer Komödie oder tiefe Trauer und Bedauern, wie bei einer Tragödie. Dies hat eine besonders kathartische Wirkung. In den vergangenen Jahrhunderten war es nicht immer akzeptabel, Emotionen offen zu zeigen. Aus diesem Grund galt das Theater als der einzig akzeptable Ort, um in emotionalen Ausbrüchen zu lachen, zu weinen, zu lachen, zu lachen, zu lachen, zu schreien und zu keuchen.

Theaterkreationen sind seit Jahrhunderten ein fester Bestandteil der englischen Kultur. Auch heute noch ist es bekannt für renommierte Produktionen wie Cats, The Phantom of the Opera, Beauty and the Beast, Cinderella, Jack and the Beanstalk, Peter Pan, Puss in Boots, Romeo and Juliet, Swan Lake, The Nussknacker und The Comedy of Errors, unter vielen anderen.

Erfolgreiche Theaterbesitzer = erfolgreiche Schauspieler

In Alt-England genossen die Theaterbesitzer ein angesehenes Image, und viele von ihnen waren in der Branche in Form von Dramaturgie oder Selbstdarstellung tätig. Sie bestimmten, welche Akteure in den am Theater stattfindenden Produktionen agieren würden und hielten dabei eine gewaltige Menge an Macht in ihren Händen. Tatsächlich lag der Erfolg eines aufstrebenden Schauspielers in den Händen der Theaterbesitzer.

Das alte Theater war so vielfältig wie heute. Dadurch wurde es für eine Vielzahl von Zuschauern attraktiv und machte das Theater zu einer kulturellen Attraktion für die Massen. Alles, was im frühen Theater nicht erlaubt war, war ein Angriff auf den König.

Ansonsten war es ein Free-for-all. Je nach persönlichem Geschmack der Theaterbesucher würden sie dazu neigen, ein oder zwei bestimmte Theater zu unterstützen. Da die Grenze zwischen der Arbeiterklasse und der Oberschicht in Bezug auf die Unterhaltung, die sie genossen, verschwamm, nahmen Theaterproduktionen einen weniger anspruchsvollen Witz und einen mehr „slapstick. one“ an.

Das anspruchsvolle Publikum

Ein weiterer Teil der Entwicklung des Theaters war, dass das Publikum nun mehr von einem Spektakel und weniger beeindruckenden Dialogen verlangte. Sie wollten Requisiten, Kostüme und Effekte. Das sind auch heute noch entscheidende Elemente für eine beeindruckende Show.

Im Laufe des 17. und 18. Jahrhunderts begann das Publikum, Präferenzen für bestimmte Akteure zu entwickeln. Dies war der Beginn des enormen Prominentenstatus, den moderne Darsteller genießen. Die Schauspieler waren bekannt für ihre Fähigkeiten, ihren Sinn für Humor und sogar für ihre Ästhetik. Diese Akteure waren aber auch Sklaven der Industrie; sie mussten sich an strenge Regeln und Reglementierungen halten, damit ihre Karriere ernst genommen werden konnte. Zu den bekanntesten Schauspielern des Tages gehörten Nell Gwynne, Thomas Betterton, Elizabeth Barry und Charles Macklin.

Kostüme

Kostüme waren ein sehr wichtiger Teil des englischen Theaters und sind es auch heute noch. Kreative und dramatische Stücke vermitteln einen Großteil der Handlung und des Charakterprofils und erzeugen Dramatik sowie ein Gefühl von Realismus. Ein großer Teil des Budgets fließt in die Erstellung solcher Stücke. Da sich das Theater um das geschaffene Spektakel herum entwickelte, forderte das Publikum, wo es angebracht war, große Auftritte. Dies führte zu einem Trend bei den Theatergruppen, sich gegenseitig bestimmte Stücke zu leihen, um Kosten zu sparen. Andere vermieteten sie. Dies geschieht in vielen Fällen noch immer.

Heute werden die Besucher Englands aufgefordert, mindestens eine große Theaterproduktion zu sehen. Es gibt immer klassische Favoriten in der Show (vor allem in London), aber auch spannende neue Produktionen.